Thursday, November 28, 2013

Crónica desde Hare Island



La ceguera de la rutina
oculta la propia ignorancia,
engatuzando en su constancia
a la empañada y gris vitrina.

Al permanecer en la estancia
de la pasividad cretina,
se nubla obscura la retina
con cínica preponderancia.

Se tiene que apagar el horno,
tomar aire y redescubrir
las maravillas del entorno.

El secreto del buen vivir
no está en el brillo de un adorno
sino en admirar y sentir.


Saludos.

Una medalla para mi buen amigo, investigador y explorador:


Wednesday, October 9, 2013

Lutotunil



El Cielo disfruta los alegres y joviales cantos
de un ángel que en vida siempre elevó su espíritu y voz
para hacerlo hoy en vivo y directo a quien siempre le escuchó.



Elegía a Luis Jiménez Torres,
hermano adelantado 09OCT13



Saturday, August 10, 2013

Plácido Domingo y su fortaleza





Hace un mes -08JUL13-, nos sorprendimos con la impresionante noticia sobre la salud del gran maestro Plácido Domingo, quien fue internado ese día por una embolia pulmonar en un hospital madrileño.

El gran cantante se preparaba para interpretar de nueva cuenta a Pablo Neruda en la ópera del mexicano Daniel Catán, El Cartero, por lo que fue sustituido por el tenor catalán Vicente Ombuena, quien ya había alternado con Domingo en este papel en el Teatro de Bellas Artes de México y en el Teatro Municipal de Santiago de Chile.

No pasó ni una semana, cuando el domingo 14JUL13 se presentó en el ensayo de la puesta en escena, ante la sorpresa de todos para "apadrinar" la primera presentación en los escenarios de su nieto, interpretando a Pablito, utilizando la boina de su abuelo.




Una semana después, el domingo 21JUL13, se presentó en la Plaza Mayor de Madrid para apoyar la candidatura de esta ciudad para ser la sede olímpica en el 2020 (sin dirigir a la orquesta, como estaba programado, obviamente).

Tres días después, la alcaldesa de Madrid, Ana Botella, le dio el reconocimiento de Hijo Predilecto de la ciudad.



Pero lo más impresionante ocurrió esta misma semana, el pasado martes 06AGO13, ya que no había transcurrido ni un mes de su internamiento médico cuando el gran tenor cantó en el festival de Salzburgo la ópera de Giuseppe Verdi, Juana de Arco, en el papel de Giacomo.




El papel principal lo interpretó la gran soprano rusa Ana Netrebko con la Orquesta de la Radio de Münich, bajo la batuta de Paolo Carignani.

Muy en particular, el dueto entre Netrebko y Domingo del tercer acto se llevó las palmas de la presentación. Por cierto, el concierto fue grabado y será transmitido el próximo sábado 17AGO13 a las 7:30 PM (hora local).




Lo sorprendente es la gran fortaleza de Plácido Domingo, quien regresa cantando con menos de un mes de su problema, siendo precisamente en los pulmones y contando con la friolera de tener 72 años de edad... se trata de una auténtica recuperación prodigiosa.

Definitivamente que vamos a tener el privilegio de escuchar cantar a una de las más grandes voces de todos los tiempos por muchos años más.

Saludos.



Saturday, July 6, 2013

75 años con Vladimir Azhkenazy






El día de hoy -06JUL13- es el cumpleaños 75 del gran pianista ruso Vladimir Azhkenazy.

Heredero de la gran tradición rusa de piano, Azhkenazy tiene en sus manos la responsabilidad de continuar con el talento de los hermanos Anton y Nickolai Rubinstein, Sergei RachmaninovVladimir Horowitz.

Azhkenazy es uno de los grandes en el piano de todos los tiempos, pero además es director de orquesta, habiendo dirigido los siguientes ensambles:
·            * 1987 – 1994, Orquesta Filarmónica Real de Londres
·            * 1989 – 1999, Orquesta Sinfónica de Berlín
·            * 1998 – 2003, Orquesta Filarmónica Checa
·            * 2004 – 2007, Orquesta Sinfónica NHK de Tokio
·            * 2009 – a la fecha, Orquesta Sinfónica de Sydney

Como pianista, tiene la fortuna de haber grabado con casi todos las grandes batutas y orquestas del siglo XX, como André Previn, Zubin Metha, Bernard Haitink o Georg Solti (con este último, sus registros son referencia para todos los pianistas).

Este año, Azhkenazy celebra además su 50º aniversario de grabar 90 obras como director y 316 como pianista para la casa Decca, destacándose todas las canciones de Jan Sibelius, todas las Sonatas de Scriabin, MozartBeethoven, los 5 Conciertos para Piano de Sergei Prokofiev, los impresionantes 4 Conciertos para Piano de Rachmaninov o La Rapsodia sobre un tema de Paganini, opus 42, del mismo autor, con Previn al frente de la Orquesta Sinfónica de Londres, como una mención muy especial.

La mejor manera de rendir un homenaje a un artista es disfrutando de su música (y vaya que tiene grabaciones), por lo que todo el día de hoy sábado la estación ABC Classic FM, de Australia, interpretó su música, donde además se incluyó una entrevista con el artista.

Muchas felicidades maestro.

Saludos.


Saturday, June 29, 2013

Ópera El Conejo y el Coyote, por Víctor Rasgado




Hace una cuantas horas, fue la premier regiomontana para la ópera El Conejo y el Coyote, obra del compositor mexicano Víctor Rasgado.

La obra está basada en 16 imágenes del pintor oaxaqueño Francisco Toledo, siendo compuesta a solicitud del pintor en 1999. Tanto las imágenes como la ópera son basados en un cuento de tradición oral zapoteca.

Es una ópera de un solo acto, con dos detalles a destacar: 
1. el lenguaje es onomatopéyico, tanto en los diálogos como en la música
2. -y más importante- es dirigido al público infantil, algo no muy usual.

En la obra participan tan sólo tres cantantes:
* Campesino (tenor lírico)
* Conejo (soprano)
* Coyote (barítono)

Además, se necesita incluir un narrador que relate el cuento. En algunas representaciones, un actor adicional interpreta al muñeco de cera... pero en la puesta en escena de este fin de semana no es así.





La historia es muy sencilla y narra los avatares de un conejo travieso que comienza robando los chiles a un campesino, quien los cultiva, por lo que lo atrapa mediante una trampa muy simple: un muñeco de cera donde se queda pegado el conejo de pies y manos.

El campesino se lleva el conejo a su casa para cocinarlo; sin embargo, logra engañar a un coyote que peca de inocente... ya que lo sigue engañando en cuatro ocasiones más, de manera muy chusca, para finalmente escapar hacia la luna, desde donde el coyote aún le sigue reclamando con sus aullidos.





Es una forma en que los antiguos mesoamericanos explicaban la razón por la cual los coyotes le aúllan a la luna.

Los tres cantantes se desenvolvieron muy bien en el escenario, con voces muy claras y adecuadas para sus roles, destacando la voz de Manuel Acosta (como el campesino) que aunque fue muy poca su participación, su voz se impuso en el escenario. Por su lado, tanto Ivonne Garza (conejo) como Oziel Garza (coyote) fueron mejores actores que cantantes... y cantaron muy bien.

La obra tiene dos presentaciones más y es imprescindible asistir a alguna de ellas, dada la calidad de la ópera.




Saludos.






Saturday, June 22, 2013

100 años con Paulino Paredes



Un día como hoy, 22JUN13, nace uno de los más grandes compositores mexicanos del siglo XX, al cual los regiomontanos le debemos mucho del empuje artístico actual: Paulino Paredes Pérez.

Paulino Paredes nació en Tuxpan, Michoacán, teniendo como formación musical la parroquia de su pueblo, donde aprendió órgano y formó parte de los coros de ese templo.

A sus 16 años -1929-, la parroquia lo becó para estudiar formalmente música en Morelia, en lo que se convertiría en el Conservatorio de las Rosas, donde recibiría la instrucción académica directamente de su fundador, a quien muchos consideramos como el mejor compositor para órgano del siglo XX, el también michoacano Miguel Bernal Jiménez (el mejor organista fue, sin lugar para dudas, Camille Saint-Saëns, pero como compositor para este instrumento, es muy evidente que el mexicano lo supera).

Obtuvo la Licenciatura en Canto Gregoriano en 1938, siendo acreedor a una beca para continuar con su formación en composición en París, epicentro de los compositores en aquel entonces. Sin embargo, la Segunda Guerra Mundial truncó sus planes. Un dato anecdótico es que regaló todo sus bienes (quemando sus naves, como Hernán Cortés) ante su inminente viaje.

En 1939, Bernal Jiménez funda la revista Schola Cantorum, revista especializada en la música sacra. Desde el segundo número en 1939 hasta el último año de su vida en 1957, Paredes escribió en dicha revista en una sección llamada Mundo Musical; su primer artículo fue dedicado al famoso compositor sacro del renacimiento, Giovanni Pierlugi da Palestrina.

Continuó con sus estudios en el Conservatorio de las Rosas, concluyendo la Maestría en Composición en 1940 (siendo el primer egresado de esta institución) y teniendo como sinodales a dos de los pilares de la composición mexicana: Miguel Bernal Jiménez y Manuel María Ponce. Su tesis fue la Suite Estampas Campestres, la cual tiene actualmente dos versiones, la original para orquesta de cámara y una revisión posterior para orquesta sinfónica. La obra fue interpretada por vez primera un año antes (1939) bajo la batuta del propio autor.

Durante su período en Morelia compone su segunda obra, el ballet Muñecos de Barro (1940). Al año siguiente compone La Danza del Loco, dedicada a su maestro Ignacio Mier Arriaga y su primera obra para orquesta sinfónica, Las Bodas Alegres, como preámbulo de su próximo enlace matrimonial.

Para 1942 se casa y dicha influencia se denota en sus dos obras siguientes: el poema sinfónico El Diluvio de Fuego y su segunda obra para escena, el ballet Las Horas, donde recrea el avanzar de un día a través de sus 4 movimientos: La Aurora, Mediodía, La Tarde La Noche.

Así mismo, asume la dirección de la Escuela Popular de Bellas Artes, responsabilidad que desempeñaría hasta 1946.

En 1944, compone Nino, Cuarteto para la historia de un muñeco, dedicado a su primogénito, nacido un año antes y que fallecería 5 años después en un accidente hípico en Morelia.

En ese mismo año, compone la música para dos obras de teatro infantil: Alí Babá y Piñoncito.

Para 1945, concluye su Maestría en Canto Gregoriano, por el Conservatorio de las Rosas. Una vez terminada su segunda maestría, nos regala una de sus obras maestras: la Sinfonía Provinciana, la cual inmediatamente recibió muchos reconocimientos, muy en especial destaca una mención honorífica por parte de la orquesta sinfónica de Detroit.

En 1947, escribe su Sinfonía Benjamina, la cual integra temas infantiles en sus tres movimientos, ya que es dedicada a sus hijos.

Durante la primera mitad del siglo XX, la composición mexicana siguió la escuela nacionalista, encabezada por Carlos Chávez, con una pequeña variante de enfoque sacro, muy atacada por el propio Chávez, pero que ante la composición de Bernal Jiménez, líder de esta escuela, tuvo que moderar sus ataques.

Durante los 40’s y 50’s, los gobiernos de Miguel Alemán y Adolfo Ruiz Cortines dieron un apoyo muy fuerte al ballet, convirtiendo a México en potencia para esta disciplina artística… hasta la fecha.

Paredes se unió a esta tendencia, por lo que en 1947 compone su tercer ballet, Almas Oscuras, una de sus creaciones más bellas.

En 1948, Bernal Jiménez fue al estreno de su ópera Tata Vasco, en Viena, comenzando con una gira por las principales casas de ópera de Europa, por lo que Paredes toma la dirección de la Escuela Superior de Música Sagrada en Morelia… sin embargo, el arzobispo de Monterrey invita a Paredes para fundar la Escuela Diocesana de Música Sacra, la cual inicia en enero de 1949. En esta escuela forma el coro La Silla, el cual se dedicó durante años a difundir la música sacra por el radio regiomontano a través de las estaciones XEMR & XET, desde el templo de San Luis Gonzaga. Al final de ese año, hubo una transmisión especial por la Hora Nacional, única ocasión que cantaron en el Aula Magna de la UANL.

Antes de Paredes, la música sacra regiomontana consistía en cantos populares adaptados con temas religiosos. Además, tan sólo existían 3 organistas en la ciudad, por lo que su llegada fue un parte aguas para la actividad cultural.

Mi buen amigo y maestro en historia, el Padre Aureliano Tapia, me comentó alguna vez que el arzobispo Dr. Guillermo Tritschler y Córdova fue un gran apasionado del canto gregoriano, razón por la cual invitó a Paredes.

Entre los seminaristas que tuvieron la transición de viajar a Morelia y seguirse formando en Monterrey con Paredes fueron Alfonso Hinojosa y Roberto Infante, este último continuaría con la labor del compositor.

Mientras que en aquel entonces el objetivo fue formar organistas y cantores para la mejor alabanza religiosa, en estos momentos -2013- no existe un solo órgano funcionando en Monterrey.

En ese mismo año, compone su cuarto ballet, Donajina, una obra en 4 actos, que toma temas musicales y danzas de los ritos propios de la cultura zapoteca.

A su paso por Monterrey, compone sus obras de mayor madurez. Para 1950, escribe su Concierto para Piano, mientras forma el Coro de la Comisión Nacional Bancaria, el cual se apagó después del primer concierto en el Casino Monterrey, donde se interpretaron piezas del propio compositor.

En 1951, crea el Coro del Colegio Labastida y es invitado por la UANL para la cátedra de composición.

Para 1953, crea el Coro para la Sociedad Cuauhtémoc y FAMOSA.

Al siguiente año, escribe su Concierto para Violín, la Suite Los Cuatro Convidados (sus cuatro movimientos representan a los cuatro personajes: El Taimado, El Poeta, La Niña de 15 Años & El Gracioso Ridículo) y su quinto ballet: Espalda Mojada, la Suite para este ballet fue interpretada la semana pasada por la OSUANL en homenaje al compositor.

En 1956 es nombrado Director de la Escuela de Música de la UANL, mientras compone su obra más famosa, el poema sinfónico Cañón Huasteca, conjunto de estampas sinfónicas dedicadas a una de las formaciones montañosas más bellas de Monterrey. La obra fue muy laureada por los grandes compositores Carlos Chávez y Aaron Copland en el festival de Caracas, Venezuela ese mismo año.

El 6 de abril de 1957, la SAT del ITESM presenta la Suite Espalda Mojada bajo la batuta de uno de los mejores directores de orquesta del siglo XX, Luis Herrera de la Fuente, al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional, transmitiéndose en vivo por la XET desde el Teatro Florida… tres días después fallece el compositor, quien contaba apenas con 43 años de vida.

Paulino Paredes es uno de los más grandes compositores mexicanos del siglo XX y Monterrey no sólo tiene el orgullo de haberlo adoptado, sino que junto con mi maestro el Dr. Jorge Rangel Guerra, es considerado como la base de la vida musical regiomontana actual.

Saludos.


Tuesday, June 11, 2013

Dancer and the Moon, por Blackmore’s Night



Han habido muchas cosas importantes de que hablar en las últimas semanas, como el bicentenario de Richard Wagner, de como Deep Purple sigue explotando al guitarrista más limpio de la farándula -Steve Morse- con su nueva obra Now What!, dedicada al recién desaparecido Jon Lord, o bien, el increíble saltó al origen de composición de Black Sabbath, con su impresionante 13. Sin embargo, el día de hoy el gran maestro de la guitarra, Ritchie Blackmore y su esposa Candice Night proponen su novena obra, Dancer and the Moon.

La primera pieza se denomina I Think it’s going to Rain Today, una pieza escrita en 1966, cuya composición es de Randy Newman. Es interesante que Blackmore se une a la larga lista de artistas que interpretan dicha canción (66 versiones a la fecha, con versiones tan interesantes como Peter Gabriel, Bette Midler o Eric Burdon y tan bizarras como Leonard Nimoy), siendo tal vez la canción con más interpretaciones de todos los tiempos. En el DVD Castles & Dreams del 2005 ya había sido incluida por Blackmore, pero ahora nos presenta una versión en estudio.

En ABR13, tanto Ritchie Blackmore como Randy Newman fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock’n’Roll, razón por la cual Blackmore reconoce a este gran compositor, últimamente conocido por su música para las películas de PIXAR (Toy Story, A Bug’s Life, Monster Inc. & Cars) y más recientemente para Disney (The Princess and the Frog).

A pesar de ser tantas veces interpretada, tan sólo una vez estuvo en las listas de popularidad con UB40 en 1980. La pieza se aleja un poco de la composición renacentista del grupo, pero conserva el singular requinto de Blackmore, siendo lo único que salva la pieza de ser pop.

La segunda pieza, Troika, da inicio con un dueto de guitarra acústica y voz, muy bien acopladas, para caer en la música de danza renacentista que nos tienen acostrumbrados.

La tercera pieza, The Last Leaf, es una muy bella pieza donde voz, guitarra y flauta intercambian solos y trabajo en equipo.

La cuarta pieza, Lady in Black, es una pieza clásica de Uriah Heep, publicada en Salisbury de 1971. La pieza da un inicio que recuerda más a Jethro Tull que al autor original por el dueto de flauta y guitarra… sin embargo, mantiene muy viva la esencia de composición de Uriah Heep. Se trata de un Blackmore tocando para Uriah Heep, en lugar de imponer su tan característico estilo propio.

La quinta pieza, Minstrels in the Hall, es un solo de guitarra muy interesante… un intermezzo entre los dos colosos que acompaña. Ocasionalmente, es incluido un innecesario pandero que empaña la ejecución del maestro en la guitarra.

La sexta pieza, The Temple of the King, es una de las grandes creaciones de Blackmore y Ronnie James Dio, de la primera obra de Rainbow en 1975.

Esta nueva versión aporta elementos no escuchados antes, que la enriquecen de sobremanera (una versión muy superior a la propuesta del Mägo de Oz en La Leyenda de la Mancha de 1998, a pesar de ser un estilo similar); sin embargo, la voz de Dio se extraña en todo momento.

Debo admitir que fue una gran e inesperada sorpresa (ya que hace rato, tan pronto tuve en mis manos la obra completa, la escuché sin reparar en los nombres o créditos de la misma) y me causó mucha emoción redescubrir una de las primeras canciones que interpreté en la guitarra (ya hace algunas décadas), ahora con una nueva y fresca versión.

Justo a la mitad de la obra se encuentra Dancer and the Moon, la pieza que le da nombre a la obra. Se trata de una danza muy sencilla, sin muchas complicaciones, que la guitarra simplemente sigue el tema… hasta en su solo a mitad de la pieza.

La octava pieza, Galliard, es una pieza instrumental muy bien lograda por Blackmore, mucho mejor que el anterior solo en Minstrels in the Hall. La aportación de un corno (algo no escuchado antes) en la instrumentación matiza bellamente con la guitarra.

La novena pieza, The Ashgrove, es una pieza suave donde el dueto de voz y guitarra armonizan muy bien acoplados.

La décima pieza, Somewhere over the Sea (The Moon is Shining), es un parafraseo al antecedente de Blackmore en Rainbow. Muestra la realidad (conciente o inconcientemente) de su nueva creación musical: La luna (Candice Night) imperando sobre el arcoíris (Blackmore), convertido ahora en mar.

La undécima pieza, The Moon is Shining (Somewhere over the Sea), es una evolución de la pieza anterior, donde se mantiene el mismo tema y a pesar del muy triste inicio musical, corrige el rumbo de inmediato, acercándose  al sonido clásico de Rainbow.

La duodécima pieza, The Spinner's Tale, es nuevamente un dueto para voz y guitarra muy bien logrado con una flauta que interviene para sustituir a la voz en dos ocasiones.

A manera de epílogo, Carry On... Jon se convierte en el broche de oro para la obra. Se trata de un justo homenaje al gran compositor británico Jon Lord, gran amigo de Blackmore. La pieza es el epitafio perfecto para el organista, tratándose de una elegía bellísima, cediendo la última cuarta parte de la pieza para que el órgano continúe con el tema propuesto por la guitarra, muy al estilo de los legendarios tiempos en Deep Purple.

Saludos.

Wednesday, May 29, 2013

100 años de La Consagración de la Primavera, por Igor Stravinsky


Un día como hoy -29MAY13-, ocurrió el estreno del ballet La Consagración de la Primavera, escrito por uno de los más grandes compositores del siglo XX, el ruso Igor Stravinsky.
La coreografía del ballet fue realizada por el gran bailarín Váslav Nijinsky y el escándalo que siguió a la puesta en escena fue muy notable y famoso... uno de los más grandes en el arte durante el siglo XX.
Nijinsky llegó a París con un grupo de artistas rusos (entre ellos Stravinsky) desde unos años antes para montar algunas temporadas de ballet. En 1909, participó en el papel protagónico de La Fiesta, un ballet montado con música de diversos compositores rusos, así como en La Bella Durmiente, de Tchaikovsky, con un éxito arrollador.
En 1910, protagonizó Giselle, de Adolphe Adam, también con un ballet hecho a partir del poema sinfónico Sherezada, de Rimsky-Korsakov y el primer gran éxito de Stravinksy: El Pájaro de Fuego, que inmediatamente catapultó al compositor a la fama internacional.
Para 1911, presenta otra adaptación para ballet, ahora con música de Carl María von Weber, intitulada El Espectro de la Rosa, y finalmente va a alcanzar la cúspide como bailarín con Petrushka de Stravinsky.
Para 1912, comienzan los escándalos: toma la impresionante obra de Claude Debussy, Preludio al Atardecer de un Fauno y la preparar para la escena, llamándole como el poema El Atardecer de un Fauno. El ballet es de alto contenido erótico (tal como lo es la música y el poema), por lo que sus movimientos sexuales polarizaron la sociedad parisina... sin embargo, el verdadero escándalo apenas estaba por venir.
En 1913, bajo el encargo de Debussy y Stravinsky, Nijinski preparó una verdadera joya de las artes escénicas: Las Sílifides, con música del gran Frederick Chopin. La puesta en escena ocurrió también hoy... pero hace 100 años, el programa de aquella noche inició con esta bella obra donde participaron Nijinsky, Tamará Karsávina y la gran Anna Pávlova... para seguir con la obra del escándalo.
Previamente, el 02ABR13 se dio la inauguración del Teatro de los Campos Eliseos con obras espectaculares: La Mar de Debussy, El Aprendiz de Hechicero de Paul Dukas, el Preludio a la ópera Fervaal de Vicent d'Indy & música selecta de Camille Saint-Saëns, con la interpretación de los propios compositores. Como se observa, este teatro estaba dedicado a lo más selecto del gusto parisino y su música.
Con todo lo anterior como preámbulo, era de esperarse que el Teatro de los Campos Eliseos estuviera a su máxima capacidad y se tuvieran grandes expectativas con respecto a la nueva puesta en escena de la mancuerna Stravinsky-Nijinsky y fue grande la ponencia... pero en el desorden del público... tanto que desubicó a los músicos y bailarines durante el estreno.
La obra consta de dos partes:
  • Parte I: La Adoración de la Tierra
  • Parte II: El Sacrificio

La Parte I se desarrolla en una colina sagrada, donde algunas tribus rusas se reúnen para dar la bienvenida a la primavera. Mientras una hechicera y un anciano dan incio al ritual, un grupo de jóvenes empiezan a bailar hasta que todos se les unen con mucho frenesí. Se tranquiliza la situación y buscan a una virgen para el rito del sacrificio y es cuando el baile se va haciendo cada vez más violento hasta que el anciano besa la tierra, de donde surgen los primeros brote verdes... anuncio de la inminente llegada de la primavera.
La Parte II muestra al grupo de vírgenes bailando, de donde surgira la úngida para el sacrificio. El anciano dirige ahora el rito, seleccionando a una joven virgen, la cual cae en trance y es llevada al punto del sacrificio, siendo inmolada.
Un dato curioso es que el papel de la virgen a inmolar fue ensayado por la hermana de Nijinsky, Bronislava, pero durante la preparación y ensayos resultó embarazada la virgen, por lo que tuvo que ser sustituida.
Por el tema y los antecendentes del compositor, se esperaría que la música fuera rusa (como Petrushka o El Pájaro de Fuego); sin embargo, Stravinsky prefirió seguir la corriente que los franceses iban creando, transformando la música... el resultado fue desastroso: el público estaba fanáticamente polarizado, por un lado estaban los artistas que defendían los nuevos tiempos, por el otro se encontraba una sociedad horrorizada ante la falta de mesura en el escenario y las nuevas propuestas musicales. Entre el público estaban personalidades del tamaño de Pablo Picasso (pintura al principio de esta publicación), Camille Saint-Saëns, Jean Cocteau (cuyo dibujo al final de estas letras fue hecho ex profeso para mostrar el caos de la premier) e inclusive Coco Chanel, quien sería una de las principales detractoras de la obra y sin embargo, se convertiría en la pareja sentimental del compositor.
Al día siguiente hubo duelos entre los que defendían y atacaban la obra, en sí la puesta en escena fue un caos, donde la gente no cesaba de gritar (a favor o en contra). Stravinsky se encerró en su oficina y salió por la puerta trasera al terminar la obra. Hubo conatos de pleitos dentro del propio teatro. Saint-Säens abandonó el teatro durante la primera parte. Existen algunas publicaciones de críticos de la época que aseguran haber visto a Nijinksy "contándoles" los tiempos a los bailarines porque la música no se escuchaba.
Se dieron 5 presentaciones más en este teatro, donde hubo silbidos, aplausos y risas, pero sin llegar al escándalo de la premier. En la segunda presentación, estuvo el gran compositor de ópera italiano Giacomo Puccini, quien describió la coreografía como ridícula y la música la etiquetó de cacofónica: "La obra de un hombre loco".
El escándalo fue tal, que Nijinsky tan sólo montó una obra más, Til Eulespiegel, con música de Richard Strauss en 1916, siendo un fracaso total... tal vez por estar inmersos en la Primera Guerra Mundial y los franceses no veían con agrado la gran música del enemigo. El ballet de El Atardecer de un Fauno se apagó (entre censura y autocensura), siendo revivido hasta la década de los 80's con gran éxito, incluso Queen incluye una breve sección de este ballet en su video para la pieza I Want to Break Free, de 1984, donde participó el Ballet Real de Londres y Freddy Mercury tuvo que quitarse su muy representativo bigote para interpretar al fauno.
Y con el pesar de los pesares de los detractores de La Consagración de la Primavera, la obra es sin lugar a dudas, una de las mejores creaciones del siglo XX, su escándalo no opacó su belleza, por lo que siguieron las representaciones en todos los teatros más importantes del globo. Inclusive, el primero de los proyectos de Walt Disney llamado Fantasía incluye esta obra, pero con una representación de lo que se creía en 1940 que fue la evolución del planeta (con errores propios de la época)... en otras palabras, el genio de Disney trocó la sexualidad y religiosidad pagana por la crueldad real de la naturaleza, sin mostrarse censura al respecto, a pesar de ser contemporáneos (apenas 27 años de diferencia).

Con respecto a Nijinsky, de 1919 a 1950 estuvo en hospitales psiquiátricos de Suiza por padecer de esquizofrenia. Julio Cortázar tuvo la oportunidad de apreciarlo, opinando al respecto: "Este teatro donde una vez el grandísimo cronopio Nijinsky descubrió que en el aire hay columpios secretos y escaleras que llevan a la alegría".
(Hubo otras personalidades que Cortázar también llamó cronopios, como es el caso de Louis Armstrong... el Cronopio Mayor es el mismo escritor, acorde a sus admiradores).
Saludos. 



Tuesday, May 21, 2013

Ray Daniel Manzarek, 1939-2013




Otra estrella se perfila en el firmamento, el día de ayer dejó de existir el gran compositor e intérprete de The Doors: Raymond Daniel Manczarek.

Como es por todos conocido, Manzarek fue el motor en la composición musical de The Doors, siendo el pionero en el uso del órgano dentro del rock. De hecho, una de las primeras composiciones y de mayor fama como lo es Light my Fire, utiliza el órgano con un sonido de celesta.

Una de las aportaciones más interesantes de Manzarek fue la adaptación que hizo con el gran compositor Philip Glass para la obra Carmina Burana, una verdadera joya que realizarían en homenaje al recién fallecido compositor Carl Orff, en 1983.

Fue un grande de la composición para el órgano, que al igual que Jon Lord el año pasado, se adiciona a la inmortalidad.

Saludos.



Friday, April 19, 2013

15 años sin Octavio Paz


Cantan los pájaros, cantan
sin saber lo que cantan:
todo su entendimiento es su garganta.



El día de hoy -19ABR13- se recuerda el décimo quinto aniversario luctuoso de un grande de las letras hispanas y premio Nobel mexicano: Octavio Paz.

No quise dejar pasar la fecha sin siquiera recordar un pequeño fragmento de su muy lúcido pensamiento:

Inmóvil en la luz, pero danzante,
tu movimiento a la quietud se cría
en la cima del vértigo se alía
deteniendo, no al vuelo, sí al instante.

Luz que no se derrama, ya diamante,
detenido esplendor del mediodía,
sol que no se consume ni se enfría
de cenizas y fuego equidistante.

Espada, llama, incendio cincelado,
que ni mi sed aviva ni la mata,
absorta luz, lucero ensimismado:

tu cuerpo de sí mismo se desata
y cae y se dispersa tu blancura
y vuelves a ser agua y tierra oscura.

Esto va en recuerdo del tío Octavio.

Saludos.

Monday, April 15, 2013

Sir Colin Davis, uno de los tres pilares británicos





En los 60’s surgió la gran producción de música grabada, ante la intensa demanda mundial. 

Los grandes directores de orquesta comenzaron a llenarse de fama, por lo que se daban el lujo de grabar “obras completas” de algún compositor. Fue entonces que un joven británico que batallaba para abrirse paso como director de orquesta (en especial por sus interpretaciones de Mozart), tuvo la excelente iniciativa de proponer la grabación de la obra completa de un autor francés casi relegado al olvido: Héctor Berlioz. 

Berlioz sobrevivía por las escasas interpretaciones de sus compatriotas Ansermet o Cluytens; sin embargo, fue la propuesta de un joven inglés la que nos enriquecería a todos: Sir Colin Davis, quien falleció el día de ayer -14ABR14-. 

Con estudios de clarinete e intentos inconclusos por estudiar piano (que le cerrarían muchas puertas), Davis dio inicio a su dirección orquestal en 1949, en Suecia, con músicos “exiliados” británicos. 

Al año siguiente regresó a Inglaterra para dirigir la modesta orquesta de ópera de Chelsea. Poco a poco su fama fue creciendo, para 1957 ya dirigía la Orquesta Escocesa de la BBC y para 1959 recibe su gran oportunidad al recibir la alternativa nada menos que de Otto Klemperer para dirigir la famosa Orquesta Filarmonia, que lo lanzaría al renombre mundial. 

En 1960, es invitado a sustituir a otro de los pilares británicos, Thomas Beecham, para quedar al frente de la Orquesta de la Ópera del Sadler´s Well. Aprovecha para hacer su primera grabación de Berlioz: la Sinfonía Fantástica, registro que es referente hasta nuestros días. 

En 1964, es invitado por el tercer pilar de la dirección inglesa, el gran compositor Benjamin Britten, para dirigir su orquesta. Gira que lo lleva inclusive al Met de Nueva York, por lo que es nombrado director principal de la afamada Orquesta Sinfónica de la BBC de Londres en 1967. 

Para 1971, Davis estaba en el cénit de su fama, por lo que fue invitado a sustituir al impresionante director Sir Georg Solti, al frente del Convent Garden, algo que fue muy criticado por el público londinense al considerar al húngaro como de mejor talante… estuvo al frente hasta 1987, con la crítica siempre encima. 

Grabó muchas óperas en el Convent Garden, memorables son los registros de Peter Grimes, de Britten, Werther de Massenet o las inigualables versiones mozartianas de Don Giovanni (por cierto, mi versión favorita), La Flauta Mágica o Las Bodas de Fígaro… sin embargo, no hubo nada de Berlioz. Toda la producción grabada de Berlioz ocurrió en esta época, sin contar con el apoyo de su casa de ópera. En especial, la crítica era fuerte con sus interpretaciones wagnerianas, las cuales no fueron muy exitosas. 

En 1983, sustituyó al gran Rafael Kubelik en la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, para mantenerse en esta orquesta hasta 1993, año en que fue invitado a regresar a su país para dirigir la Orquesta Sinfónica de Londres, con quien había hecho muchas grabaciones y ahora lo nombraban su titular… hasta su muerte, bueno en el 2006 se le da el título de Presidente Honorífico. 

Al igual que el irreverente de Thomas Beecham y el gran compositor inglés Benjamin Britten, Sir Colin Davis es uno de los pilares fundamentales en que se soporta la dirección orquestal inglesa del siglo XX. 

Saludos.

Sunday, April 14, 2013

In memoriam, Sir Colin Davis



Another star shines brighter on the sky
another hero now shows his talents
face to face to his beloved Berlioz.
To Sir Colin Davis, 14APR13

Saturday, April 6, 2013

70 aniversario de El Principito




El día de hoy -06ABR13- se cumplen 70 años de que el escritor francés Antoine de Saint-Exupéry publicara su obra maestra: El Principito.

Se han escrito muchísimas cosas acerca de esta obra, los conceptos de la rosa, el zorro, el aviador (el propio Antoine), los volcanes y hasta el asteroide... sin embargo, hoy es su cumpleaños, por lo que no quiero profundizar en la obra, antes bien, hacer mención que sin lugar a dudas se trata de una de las mejores creaciones literarias del siglo XX, tal vez la más traducida de este siglo... hasta cuenta con una edición muy singular en latín.

El joven de 70 años es tan fresco y lozano que su enseñanza sigue siendo tan actual como cuando fue escrita: en el absurdo tiempo de la Segunda Guerra Mundial, hasta Antoine perdió la vida piloteando un avión de reconocimiento en el mediterráneo.

La mejor manera de celebrar su onomástico es leyendo una vez más esta joya, de la cual uno nunca deja de aprender.

Saludos.

Saturday, March 30, 2013

The Mistery of Time, por Avantasia

 
El día de ayer -29MAR13-, el proyecto de Tobias Sammet llamado Avantasia propone su sexta obra: The Mistery of Time. 

Un detalle interesante de esta obra nueva es el apoyo de la Orquesta de Películas Alemanas Babelsberg, una orquesta nacida hace 20 años -1993- para musicalizar en vivo películas clásicas del cine mudo alemán, en particular de la empresa Babelsberg (como la famosísima Metropolis, entre otras). No es la primera vez que Sammet se apoya en esta orquesta, ya que con Edguy participaron en su obra del 2004, Hellfire Club. 

Nuevamente lo acompañan en la obra como músicos de base Sascha Paeth y Michael Rodenberg (Miro) en la guitarra y teclados respectivamente, siendo Paeth el productor de la obra (como en Epica, Rhapsody –donde también participa como guitarrista–, así como de muchos otros grupos). 

Por primera ocasión, los acompaña en la batería el británico Russel Gilbrook de Uriah Heep. 

Se trata de la tercera obra temática, donde el tema es sobre un joven hechicero que vive en un pueblo encantado de Inglaterra quien emprende un viaje espiritual para explorar el gran misterio del tiempo. Por cierto, toda la música es composición exclusivamente de Sammet, quien canta y toca el bajo en todas las piezas. 

La obra inicia con Spectres, donde sus primeros compases muestran una introducción de corte épico, tras el cual prosigue un tema con un ritmo sencillo, pero plagado de fuerza con una voz excepcional: Joe Lynn Turner, adaptando el tono al momento del tema, resultando con un tema magnífico. 

Para la segunda pieza, The Watchmakers Dream, repite el dueto con Turner. Se trata de una verdadera obra maestra, con coros interesantes y un solo de guitarra sensacional a mitad de la pieza del holandés Arjen Anthony Lucassen del similar proyecto Ayreon quien muestra un acoplamiento estupendo con Paeth. 

A continuación, se muestra la tal mejor pieza de la obra, Black Orchid, es de esos temas que emergen una vez cada mucho tiempo, un tema sumamente completo, con mucha potencia (desde el inicio), contando con la guitarra de Bruce Kulick, del legendario grupo Grand Funk Railroad y miembro importante de Kiss durante su etapa “desenmascarada” (1984-1997). 

Definitivamente que se trata de una pieza que va al arcón de las obras clásicas, donde el acompañamiento de la Orquesta Babelsberg es muy importante y sobre todo, la potente aportación en la voz del británico Biff Byford, legendario vocalista de Saxon. 

La cuarta pieza, Where Clock Hands Freeze, da inicio con un segmento orquestal magnífico, como bello preludio para el inicio de la pieza, recordando los primeros trabajos de Avantasia. Ahora toca el turno al siempre presente guitarrista alemán Oliver Hartmann (guitarra principal en Edguy y Rhapsody). Es una pieza altamente representativa de la obra de Sammet, donde ahora se disfrutan los agudos y la nítida voz del impresionante cantante teutón Michael Kiske de Helloween (que contrasta en mucho con la voz de Sammet). 

La quinta pieza, Sleepwalking, es una especie de balada rítmica donde Sammet se vuelve a apoyar en la dulce voz de la alemana Cloudy Yang, aunque se le dio una mejor oportunidad para su voz en Symphony of Life de su obra Angel of Fire -2010-. A pesar de ser una excelente composición, no encaja con el nivel de composición del resto de la obra. 

Comenzando la segunda mitad de la obra, Sammet recupera el nivel con Savior in the Clockwork. La pieza es la más larga de la obra, con poco más de 10 minutos de duración, donde Sammet puso todo su arsenal de composición para compensar su resbalón anterior. Kulick vuelve a lucir su guitarra, pero lo más impresionante ocurre en la parte vocal, donde Sammet se apoya en tres cantantes: Turner, Kiske & Byford, donde cada quien tiene oportunidad para explayar sus mejores talentos... es increíble escuchar a las tres legendarias estrellas cantando con la orquesta: uno de los mejores momentos de la toda la obra. 

La séptima pieza, Invoke the Machine, recuerda en mucho a la composición en Edguy, en parte por la guitarra de Hartmann, que se hace presente en esta pieza. Ahora la parte vocal nos sorprende con Ronnie Atkins, principal vocalista del legendario grupo danés Pretty Maids, quien se dio tiempo para cantar en esta pieza, ya que estaba en la realización de su décimotercera obra Motherland. 

El corte es muy drástico de Invoke the Machine, para dar inicio a otra balada rítmica llamada What’s Left of Me. A diferencia de Sleepwalking, esta pieza sí está a la altura de composición de la obra, es sumamente bella, con unos temas que envuelven al oyente, atrapándolo de principio a fin. La pieza da inicio con un dúo de cello y piano para enmarcar la magnífica voz de Eric Martin, vocalista de Mr. Big, siendo de lo más acertado para este tema. Lo más maravilloso de la pieza es que Sammet se hace a un lado para que la voz de Martin se luzca, participando muy poco y con coros de apoyo. La pieza cierra tal como inició: con cello y piano. 

Después de tomar un poco de aire, se recupera la fuerza en la novena pieza Dweller in a Dream. Nuevamente se luce la mancuerna de Kiske con Hartmann. 

El cierre de la obra es simplemente espectacular, donde la décima pieza es precisamente la que lleva el título de la obra: The Great Mystery.
 
La pieza contiene todos los recursos de Sammet, como típicamente se dice: tiró la casa por la ventana. Un tema con magníficas orquestaciones, grandes despliegues vocales (Turner, Byford y ahora el también británico Bob Catley de Magnum). Justo a mitad de la pieza, un silencio y el cambio de velocidad dan la impresión de ser el cambio para otra pieza, pero realmente es el broche de oro para toda la obra. 

Valió la pena esta espera de casi tres años por una obra de este nivel. 

Saludos.