Último escape del playero blanco: Kurt Sanderling

Ayer, 17SEP11, pasó a ser inmortal el legendario director alemán Kurt Sanderling, faltando 2 días para celebrar sus 99 años de vida.

Sanderling fue una de las más grandes batutas del siglo XX, una verdadera leyenda en vida. En 1936, dejó su natal Alemania (dado que fue judío) para colaborar en la Orquesta Sinfónica de Radio Moscú, donde conocería a su gran amigo Dmitri Shostakovich. Debido a esta relación, Sanderling se convertiría en el mejor difusor de la obra del compositor soviético, en particular la Sinfonía 15, opus 141 (su última sinfonía, escrita en 1971), sería completamente suya.

A partir de 1939, dirigiría por un breve lapso la Orquesta Filarmónica de Járkov, en Ucrania, pero regresaría a Rusia en 1942 para unirse a la más longeva y tradicional sinfónica rusa, la Orquesta Filarmónica de Leningrado (hoy conocida con su nombre original: de San Petersburgo).

Después de 24 años en tierras rusas, por fin pudo regresar a su patria en 1960, para dirigir la famosísima Orquesta Sinfónica de Berlín durante 17 años más (hasta 1977), así como la Orquesta Estatal Sajona de Dresde (1964 a 1967).

A partir de 1980 dirigió toda orquesta importante del mundo, dada su especial sensibilidad para Shostakovich, su gran maestría para los grandes sinfónicos teutones como Beethoven, Brahms, Bruckner y Mahler, pero sobre todo, por su especial potencia para el gran Tchaikovsky, al cual le daba un toque germano.

A finales de los 70´s, grabó la Sinfonía 10 de Gustav Mahler, en la segunda versión de Cooke; versión alterada por el propio Sanderling. Es muy probable que sea la mejor versión jamás ejecutada.

Un dato personal: hace 25 años tuve la fortuna de adquirir el tercer CD de mi acervo, el cual corresponde a este gran maestro, donde interpreta música rusa. En aquella época (mediados de los 80´s), conseguir buena música era toda una hazaña; en un mundo sin las comunicaciones como hoy, se necesitaba de héroes que al viajar compartieran los tesoros obtenidos en tierras lejanas. Ése fue el caso de mi tercer CD, para adquirir música hecha en Rusia había que viajar a la misteriosa y entonces distante Unión Soviética. Además de la clínica musical per se, este CD tuvo durante muchos años un aprecio muy especial.

Como ese CD, su interpretación seguirá siendo una cátedra para todo aquel que tenga la fortuna de escuchar su legado.

Adiós al gran Kurt Sanderling.

Saludos.



Copla a La Bellissima: Anna Netrebko

Un ángel nos visita,

es un canto de ensueño:

un prodigio de artista

con potencia sin dueño.

Como buena cosaca

muestra su fortaleza,

al quebrantar la laca

con su sensual belleza.

Su coqueta herramienta

nos hechiza y domina

¿qué tantos son cuarenta?

si su voz es divina.

Feliz Cumpleaños Anita.

Saludos.

Il Sommo Poeta, Dante Alighieri

El día de hoy, 14SEP11, se conmemoran 690 años -1321- del fallecimiento para el padre de la lengua italiana: el gran poeta medieval Dante Alighieri.

Alighieri nació en Florencia, Italia, inmerso en una época en que el oscurantismo estaba ya en proceso de disipación, en gran medida por la creación de obras que fácilmente le confieren el título de héroes a dichos genios.

Un dato interesante está en su mismo nombre: Durante Alaghieri, de donde Dante es tan sólo su apócope; sin embargo, la palabra Dante se convertiría en un nombre común gracias a la fama del bardo, mientras que el apelativo Durante ha caído en desuso.

Alighieri perteneció a una generación muy inquieta de poetas como Guido Guinizelli, Guido Cavalcanti, Lapo Gianni, Cino da Pistoia, Guianni Alfani y Dino Frescobaldi; grupo que se conoce como Dolce stil novo (tomado del poema XXIV del Purgatorio), quienes, a pesar de que tenían muy arraigada la escuela de Platón en el siglo XIV, sentarían las bases para el posterior pensamiento aristotélico, pilar del renacimiento.

Estudió Filosofía y posteriormente médico farmacéutico, pero su pasión fue siempre hacia la política y la poesía, razón por la cual se conservan ensayos y poemas; de hecho, fue boticario únicamente para estar activo en la política, en esos días se requería que todo político fuera profesionista para participar en la administración pública.

Un dato curioso es que sus libros se vendían en las farmacias, dada su afiliación al gremio.

En 1293, publica su primera obra: La Vida Nueva, poco después de que su amor “platónico” –Beatriz– falleciera. La obra contempla 31 poemas entre 42 capítulos, escritos en prosa, para extender la explicación de cada poema (la prosa fue escrita a posteriori por Alighieri). Los poemas son en su mayoría sonetos (un total de 25), pero incluye cinco canciones y una balada. Para muestra el siguiente soneto: Tan Amable y tan honesta parece…

Tanto gentile e tanto onesta pare

la donna mia, quand'ella altrui saluta,

ch'ogne lingua devèn, tremando, muta,

e li occhi no l'ardiscon di guardare.

Ella si va, sentendosi laudare,

benignamente d'umiltà vestuta,

e par che sia una cosa venuta

da cielo in terra a miracol mostrare.

Mostrasi sì piacente a chi la mira

che dà per li occhi una dolcezza al core,

che 'ntender no la può chi no la prova;

e par che de la sua labbia si mova

un spirito soave pien d'amore,

che va dicendo a l'anima: Sospira.

En la política tuvo cierto renombre, alcanzando los puestos de embajador y magistrado de Florencia en el cambio de siglo (1300), pero al año siguiente, el Papa Bonifacio VIII tomó la ciudad por las armas, anexándola a los Estados Pontificios, siendo capturado y encarcelado en Roma. Como no tenía dinero para pagar “su culpa”, fue condenado al exilio vitalicio de Florencia en 1302.

Para 1305, publica su ensayo La Elocuencia en la Lengua Vernácula. El trabajo está escrito en latín, siendo un análisis del italiano como lengua, equiparándolo en dignidad a su lengua madre. La conclusión del ensayo es importantísima: un idioma es una lengua que evoluciona acorde a las necesidades del pueblo, por lo que no es un ente estático. Dicho axioma sentó un precedente fundamental en el pensamiento del ser humano… hasta la fecha.

Para 1307, publica su tercera obra Convivio, ahora escrita en italiano, en su variante florentino. En este trabajo hace un elogio a la sabiduría, donde la palabra convivio la relaciona con banquete: banquete de sapiencia. Es interesante la relación que hace con la lengua, donde muestra sus cuatro horizontes: literal, moral, alegórico y espiritual.

En 1313 publica una de sus obras más interesantes, La Monarquía, donde aborda el tema del estado laico. En esos momentos, Enrique VII de Luxemburgo intentaba reconstruir el Imperio Romano de Occidente, por lo que se encontraba invadiendo el norte de Italia, incluyendo los territorios que el Papa había conquistado, aprovechando las circunstancias, este ensayo sirvió como invitación para liberar su natal Florencia ante el invasor teocrático.

Aprovechando el exilio, escribió con más afán, incluyendo su magnus opus: La Divina Comedia. Los primeros dos libros, Infierno & Purgatorio, los escribiría mientras vivió en Verona y Lucca. Para 1318, fue invitado a Rávena, donde escribiría el Paraíso, terminado hasta 1321, año de su muerte.

En 1319 publicó su obra Bucólicas, haciendo honor al gran poeta latino Virgilio. Se trata de dos poemas hexámetros:
1) Vemos Salir al Paciente de la Playa Blanca (68 versos)
2) La Lana de la Cólquida se Observa al Amanecer (97 versos)

El estilo fue muy popular entre los clásicos latinos como Virgilio (Eneida), Ovidio (Metamorfosis), Lucrecio (Sobre la Naturaleza de las Cosas), Lucano (Farsalia) y Estacio (Tabaida), aunque Homero ya la presenta ampliamente a lo largo de sus dos obras (Ilíada y Odisea). Recientemente, el gran bardo nicaragüense Rubén Darío, publicaría su famosa Ínclitas Razas Ubérrimas.

Por lo tanto, el mote de El Poeta Máximo (Il Sommo Poeta) es sin lugar a dudas digno de tan magno personaje.

Cinco siglos después (1829), Florencia creó un mausoleo para Alighieri, pero aún sigue vacío, ya que sus restos permanecen en Rávena.

Saludos.

Alto en San Lorenzo

Los caminos se complican tanto,

entre lluvias intensas de dardos

y con brechas repletas de cardos,

que la fortuna pierde su manto.

Cuando todos los gatos son pardos,

cuando la vida pierde su encanto

al tornarse en un río de llanto,

es tiempo para convocar bardos.

Es diez de agosto, ¡es la vendimia!

a celebrar la uva macerada,

a disfrutar su mágica alquimia.

Es San Lorenzo, ¡es la parada!

cita omitida es autoignominia

por quedar fuera de la jugada.

Soneto dedicado a mis rebeldes amigos chilenos.

Saludos.

105 años compartiendo con Salvador Novo

Hace dos días -30JUL11-, se celebraron 105 años del natalicio para uno de los mejores exponentes de las letras en MEX durante el siglo XX: Salvador Novo.

Salvador Novo fue dramaturgo, ensayista, político, historiador y cronista (de la Ciudad de los Palacios); entre muchas cosas importantes que hizo en vida, creó el Instituto Nacional de Bellas Artes (al lado del gran compositor Carlos Chávez).

Aun así, su trabajo de mayor reconocimiento es en la poesía… para muestra un botón.

Un año más sus pasos apresura;

un año más nos une y nos separa;

un año más su término declara

y un año más sus límites augura.

Un año más diluye su amargura;

un año más sus dones nos depara;

un año más, que con justicia avara

meció una cuna, abrió una sepultura.

¡Oh! dulce amigo, cuya mano clara

en cifra de cariño y de ternura

la mía tantas veces estrechara.

Un año más el vínculo asegura

de su noble amistad, alta y preclara.

¡Dios se lo otorgue lleno de ventura!

Saludos.

Call to Arms, por Saxon

Hace poco más de un mes (03JUN11), el ya legendario grupo británico Saxon nos brindó su decimonovena obra intitulada Call to Arms.

El proyecto presenta una muy agradable sorpresa, incluyendo al actual tecladista de Deep Purple: Don Airey.

La obra comienza con Hammer of the Gods, una pieza que muestra el estilo ya clásico e inconfundible del grupo inglés. Tranquilamente puede ser integrado en la obra de Power & the Glory de 1983 sin marcar una diferencia con el resto de las piezas.

La segunda pieza, Back in 79, es una pieza que intenta precisamente regresar a las bases de composición, donde destaca un nuevo himno: show me your hands... remember me.

Después de un descanso en la nostalgia, la siguiente pieza acelera la obra, Surviving Against the Odds. A través de la pieza, ambas guitarras (Paul Quinn & Doug Scarratt) encuentran por vez primera la oportunidad de mostrar su talento.

En la cuarta pieza, Mists of Avalon, Airey hace patente la razón de su invitación, con una bella introducción donde las guitarras recuperan el liderazgo del tema de manera paulatina. El primer solo de guitarra comienza con una clásica doble escala pentatónica para continuar con una bella estructura; a pesar de que el segundo requinto es más sencillo, la última estrofa es prácticamente dominada por un discreto tercer requinto.

La pieza que cerraría “el lado A” de un LP es justamente la que da nombre a la obra, Call to Arms. Se trata de una muy bella balada épica (definitivamente, la mejor expresión musical de Saxon) que recuerda las mejores épocas a mediados de los 80’s, específicamente Crusader (1984) y particularmente de The Eagle has Landed de Power & the Glory; dando inicio con su inconfundibles entradas que terminan en remates de guitarra, para regresar alternadamente a sus coloraturas clásicas.

La sexta pieza, Chasing the Bullet, es realmente una continuación de la anterior, pero tan sólo en la intención, porque las guitarras regresan después del descanso en la pieza anterior. La pieza semeja en mucho a los acordes tradicionales de AC/DC.

La siguiente pieza, Afterburner, prosigue en lo que podría ser una obra temática, ya que continúa con la historia de las dos piezas anteriores. Además, da continuidad al incremento en la velocidad, algo que se agradece porque se disfruta mejor a las guitarras. Es interesante como en el primer solo presentan un interesante contrapunto las dos guitarras, algo no observado en su obra en al menos una década.

La octava pieza, When Doomsday Comes, es el tema principal para la película Hybrid Theory. El inicio de Airey en el órgano y su permanencia a lo largo de la pieza, demuestra porque es el excelente relevo de Jon Lord en Deep Purple, así también demuestra porque fue invitado por un muy conservador grupo como lo es Saxon. Sin embargo, contrasta con el resto de la obra y no muy positivamente. Por momentos recuerda a Judgement Day, pero de Whitesnake, no su obra de 1979.

La siguiente pieza, No Rest for the Wickel, da inicio con una guitarra un poco extraña para Saxon, que la voz parece imitar, pero afortunadamente rápidamente se corrige el rumbo.

La última pieza, Balls for the Working Man, es un tanto más extraña para el estilo de Saxon, recuerda más la vieja propuesta de rock sureño estadounidense de la segunda mitad de los 70’s, aunque en esencia toma muchos elementos de And the Band Plays On, de la obra Denim & Leather (1981).

Saxon propone una undécima pieza como apéndice a la obra, donde nuevamente el tema del disco es presentado (Call to Arms), pero con una orquestación muy interesante e impresionante, ya que la inclusión de cuerdas e instrumentos de viento le da un toque más épico a la pieza.

El póster de la obra es recuperado del reclutamiento que Gran Bretaña hizo durante la Gran Guerra durante los 10’s del siglo pasado. El personaje es Lord Kitchener, famoso militar irlandés que invitaba a la gente para enrolarse en el ejército británico.

Saludos.

40 años sin el American Prayer: Jim Morrison

Hoy -03JUL11-se conmemora el cuadragésimo aniversario luctuoso de uno de los más grandes poetas del siglo XX: Jim Morrison.

Jim Morrison fue un rebelde desde muy chico, esquivó el servicio militar estadounidense, fingiendo un supuesto homosexualismo, con el consabido enojo de su padre, quien servía como almirante de la armada y tuvo la fortuna de ser el comandante en jefe del primer submarino atómico.

Dada su pasión por las letras, ingresó a la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) donde se graduó como Director de Teatro (entre sus compañeros y amigos se encontraba Francis Ford Coppola).

Fue en UCLA donde conoció a Ray Daniel Manzarek, organista que estaba formando un grupo de rock. Morrison estaba interesado en difundir su poesía, por lo que un buen día le compartió alguno de sus borradores a Manzarek quien quedó inmediatamente “hinoptizado” de su arte (así mismo ocurriría con el resto de su generación en los años venideros).

Morrison fue un verdadero garbanzo de libra en su generación, prefería gastar su dinero en la compra de libros que incluso renovar su ropa; libros que devoraba con una facilidad impresionante, en la búsqueda de nuevas expresiones para construir su poesía.

Manzarek lo invitó a una presentación con un grupo del cual él formaba parte, evento durante el cual Morrison declamaría alguno de sus poemas, siempre de espalda al público por tener un fuerte “pánico escénico”.

El público quedó maravillado con sus letras, por lo que nunca ejercería como director de teatro, tan pronto se graduó de UCLA, comenzó a componer música para sus poemas, contratando a dos excelentes músicos: Robby Krieger (guitarrista con fuerte formación clásica -especializado en flamenco- por UCLA) y John Densmore (baterista de jazz, graduado por la escuela de música en el Santa Mónica City College).

Después de tocar muchas puertas en empresas discográficas, una nueva, pequeña y desorganizada casa musical les abrió la oportunidad: Elektra (con el tiempo -y gracias a Morrison- se convertiría en una de las grandes empresas del globo). Morrison tenía la idea de llamar al proyecto Las Puertas de la Percepción, basado en la obra homónima de Aldous Huxley, quien a su vez lo tomó de un poema de William Blake:
If the doors of perception were cleansed, everything will appear to man as it is, infinite.

Muy en particular, William Blake fue de una influencia profunda en la poesía de Morrison.

Una primera desavenencia ocurrió entre Elektra y Morrison (primera de muchas), donde la empresa simplificaría el nombre del grupo a Las Puertas: The Doors.

Con The Doors, Morrison escribiría 6 obras que son referencia para la historia del rock:
• The Doors (1966)
• Strange Days (1967)
• Waiting for the Sun (1968)
• The Soft Parade (1969)
• Morrison Hotel (1970)
• L.A. Woman (1971)

Para los últimos tres álbums, Morrison participaría en ellos “bajo protesta” ante tanto abuso irresponsable de Elektra, quien lo forzó a participar en los mismos. Su protesta consistió en cantar perdidamente borracho en ellos.

En paralelo, editaría poesía, publicando en vida dos obras y dejando un sinnúmero de escritos independientes que han servido para dos compilaciones póstumas hasta este momento:
• The Lords and the New Creatures (1969)
• An American Prayer (1970)
• Wilderness (1988)
• The American Night (1990)

Para 1978, Ray Daniel Manzarek compondría la música para An American Prayer, una versión en audio que Morrison grabaría para el poemario del mismo nombre.

Una vez concluido su contrato con Elektra (MAY71), Morrison es invitado por Atlantic Records (la mejor empresa de la época) para unirse a sus filas, aceptando inmediatamente, aunque falleciendo dos semanas después de ser contratado en su departamento de París, aparentemente por intoxicación alcóholica.

Su tumba se encuentra dentro del panteón de la gente ilustre en París, a un lado de Lord Byron. Un dato intersante es que el gran amor de su vida, Pamela Courson fallecería a los 27 años, al igual que Morrison.

En 17ENE09, el cineasta Tom DiCillo recreó el documental que mejor ilustra la vida de este gran bate, con el apoyo de Manzarek, intitulado When You're Strange. Dicho documental es narrado por Johnny Depp.

Con respecto a la obra de Oliver Stone (1991) donde Val Kilmer interpreta a Morrison, Krieger opinaría algo muy acertado: fue una excelente actuación de Kilmer, una ficción muy alejada de la realidad, pero que a Morrison definitivamente sí le divertiría.

Jim Morrison vivió al extremo, como su obra lo demuestra: una mezcla entre rebeldía y superación nietzchiana.

Saludos.

Leer la mente, por Jorge Volpi

La última obra que nos regaló el Dr. Jorge Volpi hace justo dos meses (18ABR11) se intitula: Leer la mente. El cerebro y el arte de la ficción.

Se trata de un muy interesante ensayo, donde Volpi aborda la mitomanía en su aspecto más común y al mismo tiempo más imperceptible: la enajenación de la ficción en nuestra vida a través de nuestro comportamiento.

La propuesta de Volpi es sencilla, cuando se disfruta el aparente entretenimiento (ofrecido en la literatura, la poesía, el cine, el teatro, la televisión e inclusive en los videojuegos) existe una autoidentificación del “yo” con los personajes, de donde se adquieren características que modifican nuestro comportamiento.

El libro comprende:
Prólogo. El novelista neoyorkino y la verdadera identidad de madame Bovary.
1. El falso mamut y los auténticos superhéroes.
2. La última función del Teatro Cartesiano y los rizos de Hofstadter.
3. La máquina de Joyce y el robot psicoanalista.
4. La memoria de Leonardo DiCaprio y el olvido de Jim Carrey.
5. Lectores camaleón y novelas espejo.
Epílogo. En la mente criminal del escritor (diálogo autorreferencial).

A través del ensayo, existen propuestas propias y de otros; de entre dichas ideas se rescata lo siguiente.

Ideas de Volpi:
• El arte no puede sino perseguir una meta ambiciosa, hacernos auténticamente humanos.
• Mi yo es una fantasía de mi cerebro. La única realidad que conoceremos es la realidad de nuestra mente.
• La ficción literaria se convierte en uno de los medios más contundentes para asentar nuestra idea de humanidad.
• Leer cuentos y novelas no necesariamente nos hace mejores personas, no hacerlo limita las posibilidades de comprender la realidad (entorno, los demás, uno mismo).
• La ficción también es la realidad (hipótesis central de la obra).
• La literatura no sirve para entretenernos ni para embelesarnos: nos hace humanos.
• La ficción se inaugura no cuando el primer humano miente, sino cuando los demás reconocen su mentira y prefieren ignorarla.
• Piropo: Te veo hermosa porque lo eres, pero también porque así te percibo yo.
• Leer es un combate “cuerpo a cuerpo” entre el autor y el lector ante el desarrollo del texto.
• El cerebro cuenta con un solo material para dibujar los escenarios del provenir: el pasado.
• La ficción crea realidad: es un producto inflamable que ha de manejarse con cuidado.
• Las ideas no tienen dueño.
• El genio consiste en modificar las ideas de otros, volviéndolas más eficaces o más precisas.
• La autobiografía es un género que jamás debería estar expuesto en el anaquel de la no-ficción.
• Comportamiento de las neuronas espejo: Pensar “positivamente” ayuda a ser positivo. Maldecir y “echar pestes” contribuye a ser infeliz. La violencia sí provoca conductas violentas.
• Una buena novela es, en realidad, un tratado del “yo”.
• La libertad de la ficción es siempre la medida de nuestra libertad individual.

Memoria de genios referenciados:
• Un texto es una máquina floja que sólo se anima gracias a la actividad desenfrenada del lector (Umberto Eco).
• La única mente que me es posible estudiar es la mía; para bien o para mal, no conozco ni habré de conocer ninguna otra (René Descartes).
• Yo soy la mano que dibuja mi propia mano que a su vez me dibuja a mí (Douglas Hofstadter explicando un cuadro de M.C. Escher).

Yendo aún más lejos de las propuestas de Volpi, considero a la música como parte fundamental en esa evolución de comportamiento para el ser humano.

El espectador comparte emociones con el autor de una obra cuando la escucha, se identifica con ella y no sólo la hace suya, sino que asimila comportamientos del mismo autor.

Como ejemplo, basta con observar el pensamiento profundo que ciertos géneros musicales inducen en el comportamiento humano, el cual contrasta fuertemente con el pensamiento ligero o superfluo inducido por otras propuestas.

Algunas personas me argumentaran que es a la inversa, pero he podido demostrar como un individuo cambia al trocar su gusto musical (de cumbias o trova al rock, de clásico o jazz al tecno o pop, entre muchos otros casos), directamente es la correlación con su mejora o degenere en el pensamiento profundo.

Como pensamiento profundo, estoy evocando la propuesta de Nietzsche del superhombre en su intensa y constante búsqueda por la sabiduría, a quien le disgusta bajar al manantial del conocimiento, no cuando está sucio, sino cuando no es profundo.

Saludos.

Jon Lord, 70 años de virtuosismo

El día de hoy se conmemoran 70 años para uno de los músicos y compositores contemporáneos más interesantes, tanto por su obra como por su influencia: el británico Jon Lord.

Desde muy pequeño, Lord mostró una inclinación fuerte hacia la música, por lo cual, su padre lo mantuvo inscrito en sesiones formales de piano clásico de forma continua. Para los 60’s, su gusto cambiaría por el órgano, instrumento que lo ha acompañado durante toda su obra, con una pasión muy particular por el blues.

Desde los 60’s hasta la fecha, no ha parado su presencia en la obra de muchos músicos populares; la lista es grande, de donde destacan las piezas clásicas You Really Got Me o Long Tall Sally (junto a Jimmy Page) para The Kinks en 1964, Rampant de Nazareth en 1974, Octopuss de Cozzy Powel en 1983, About Face de David Gilmour en 1984, entre mucho más.

Lord es muy famoso por su gran participación en Deep Purple y Whitesnake, a partir de donde se toma como referencia para la composición de la gran mayoría de los artistas, desde los 70’s hasta la fecha; sin embargo, su obra de mayor trascendencia es justamente su trabajo como solista.

Su primer gran proyecto lo presentó en 24SEP69, su Concierto para Banda de Rock y Orquesta. En la premier de su obra, participaron Deep Purple y la Orquesta Real Filarmónica de Londres, bajo la conducción al compositor inglés Sir Malcom Arnold, en el Albert Hall de Londres. El cual se muestra en la estructura tradicional de 3 movimientos:
1. Moderato – Allegro
2. Andante
3. Vivace – Presto

A partir de la trigésima celebración de dicho concierto (25/26SEP99), la popularidad de dicho concierto se ha estado incrementando hasta tal punto que la frecuencia de su interpretación y grabación se ha disparado en la última década, contando con muchos registros de orquestas importantes en Australia (principalmente), EEUU, Inglaterra y Eslovaquia. En particular, la grabación del Festival In Memoriam de Sir Malcom Arnold, en el 07OCT07, es para tomarse como referencia.

Para 1970, presenta una segunda obra para banda de rock y orquesta, la Suite Gemini, bajo encargo de la BBC, donde nuevamente participa Deep Purple, pero ahora con la Orquesta de la Sociedad de Música Ligera. Al año siguiente, ocurriría la primera grabación de dicho concierto, pero por parte de la Orquesta Real Filarmónica de Londres, con Arnold todavía en la batuta, aunque ya sin Deep Purple.

La Suite Gemini es una obra en 6 movimientos, una para cada integrante de un grupo de Rock. La idea de Lord es mostrar el talento de cada uno de sus miembros en cada movimiento:
1. Guitarra
2. Piano
3. Batería
4. Voz
5. Bajo
6. Órgano

Para 1974, es conocida su siguiente obra, Windows, donde muestra la interesante semejanza entre el género musical de la rapsodia con el canto encadenado japonés del renga, el cual consta de una sucesión de tankas (género poético japonés de 5 sílabas: 5-7-5-7-7) de diferentes poetas. La obra consta de dos movimientos:
1. Continuo en B.A.C.H. (fuga)
2. Windows
  2.1. Renga
  2.2. Gemini
  2.3. Alla Marcia (Allegro)

La presentación ocurrió el 01JUN74 con la Orquesta de la Ópera de Münich, bajo la batuta del compositor alemán Eberhard Schoener. En la parte vocal, una muy limpia tesitura de David Coverdale es escuchada (con una potencia impresionante), para la grabación histórica que se hizo de dicha obra.

Al año siguiente, 01JUN75, presenta una fantasía sinfónica intitulada Sarabanda, de la mano con la Filarmonía Hungárica, con la dirección de Schoener. La obra consta de 8 movimientos (Fantasía, Sarabanda, Aria, Gigue, Bureé, Pavana, Capricho & Finale). Tal vez se trata de su obra menos famosa, la cual es muy probablemente de las más ricas en expresión.

Después de una muy intensa actividad con Whitesnake & Deep Purple durante 35 años (así como 3 obras como solista: Before/Forget en 1982, Picture Within en 1998 & Beyond the Notes en 2004), compone su Concierto para Piano, Auge del Hormigueo en las Cuerdas, en NOV02, el cual es presentado en Brisbane, Australia por la Orquesta de Queensland, bajo la conducción de Paul Mann. La parte solista la tuvo el australiano Michael Kieran Harvey. La obra consta de 4 movimientos:
1. Adagio assai
2. L’istesso tempo
3. Adagio
4. Allegro gustoso

El propio Paul Mann haría la primera grabación de la obra unos años después (15NOV06) en la ciudad de Odín, con la Orquesta Filarmónica de Odense. Ahora, el solista afortunado fue el danés Nelson Goerner.

La anterior grabación incluyó la premier de la Suite Disfraces, con la misma orquesta y director, ejecutada en vivo, el mismo día. La obra es un breve pasaje a la fuente de inspiración de Lord, la cual está en el formato tradicional de una sinfonía, con sus elementales 3 movimientos:
1. M.A.S.Q.U.E. (Poco Adagio – Allegro Moderato e poco pesante)
2. Música para Miriam (Adagio)
3. El Bufón (Allegro vivace)

La Universidad de Durham, como parte del 175 aniversario de su fundación, comisionó a Lord para componer un Concierto para Órgano, Concierto Durham, el cual fue presentado en la catedral de dicha ciudad, el 20OCT07. La obra consta de 3 partes, intentando reflejar un día por la universidad:
1. Mañana
  1.1. La catedral al amanecer (solos: violín/cello/órgano Hammond)
  1.2. Durham despierta (solos: violín/cello/órganos Hammond & de pipas)
2. Tarde
  2.1. El camino desde Lindisfarne (solos: violín/cello/órgano de pipas)
  2.2. Desde el puente Prebends (solo para cello)
3. Noche
  3.1. Rags (Sociedades Estudiantiles) & Galas (solos: violín/cello/órgano Hammond)
  3.2. Nocturno Durham (solos: violín/cello/órganos Hammond & de pipas)

El 28ENE08 ocurrió la única grabación que existe de dicha obra, por parte de la Orquesta Filarmónica Real de Liverpool, con la batuta de Mischa Damev y la interpretación del propio autor.

La última obra (hasta el día de hoy) por parte de Lord es una dedicatoria a su íntimo amigo: el dramaturgo inglés Sir John Mortimer, al año de su fallecimiento. Se trata de la Suite Descubrir Tales Cosas, es una obra para flauta y orquesta, divida en 6 movimientos:
1. Tal Como Salí una Noche
2. En la Corte
3. El Suburbio Turville
4. La Danza de la Vara
5. El Invierno en Dormouse
6. Después de Todo

En la versión grabada (16JUN10) por la Orquesta Filarmónica Real de Liverpool, se incluye un apéndice con el poema Después de Todo (Afterwards de Thomas Hardy), declamado por el actor británico Jeromy Irons y acompañado por Jon Lord en el piano, quien interpreta el sexto movimiento.

En estos momentos, Lord forma parte de un proyecto muy ambicioso intitulado Whocares, en el cual es acompañado por Ian Gillan (voz), Tony Iommi (guitarra), Jason Newsted (bajo) & Nicko McBrain (Batería). Esperemos buenas nuevas para este mismo año.

Por otro lado, la Orquesta Filarmónica de Oslo le comisionó un Concierto para Órgano para la primavera del 2012, el cual contará con la participación del gran pianista ruso Vladimir Ashkenazy en la batuta (y probablemente en el órgano también).

Hoy Jon Lord celebra 70 años de vida, esperemos que nos comparta aún más de su genio creador.

Saludos.

Elegía al máximo sinfónico

El tiempo es un río de torrente imparable

cuando una luz se apaga, surge un vendaval,

donde la pasión amortigua decadencias.

El tiempo azota cual tormenta incontrolable

bañando desiertos y viñas por igual,

arrasando labores, bosques y conciencias.

El tiempo camina de modo inexorable

no se distrae en su continuo recital

sin tomarse ni libertades, ni aquiescencias.

El tiempo elimina efectivo y notable

todo trazo erróneo de música banal,

cien años son clara muestra de su demencia.

En el centenario del máximo sinfónico

su obra brilla… deslumbrando como nunca antes,

su obra exalta… mostrando su magnánimo arte.

18MAY11, Centenario luctuoso de Gustav Mahler

Saludos