150 años de Debussy: El conservatorio de París y sus canciones

Para 1862, la música se encontraba bajo la hegemonía alemana. Cómo no estarlo, teniendo pilares tan sólidos como Bach, Haydn, Mozart, Beethoven o Schubert; por lo tanto, la propuesta teutona y sus compositores eran los amos de las partituras.

Personajes como Schumann, Mendelssohn o Liszt se encontraban en el pináculo de la fama, mientras que dos escuelas emergentes se disputaban la nueva tutela: por un lado Brahms quien pretendía respetar los esquemas clásico-románticos y por el otro Brucker que apostaba por una evolución, por un crecimiento (en todos los sentidos)... escuela que finalmente se impondría y marcaría el destino del siglo XX.

Por otro lado, existía una corriente de pensamiento que cobraba cada vez más adeptos llamada nacionalismo (del cual Alemania no estaba exenta). Para la música, esta propuesta filosófica tuvo su influencia al proponer la composición tomando como base las raíces populares de cada pueblo, más allá de las propuestas alemanas.

La música nacionalista fue tomando adeptos, comenzando con los checos, los rusos y los españoles (en América nos tardamos más de 50 años en proponer algo).

Éste es el entorno en el cual nació Debussy, una Europa conquistada por la música alemana y buscando “independizarse”.

Para Francia, la situación no era sencilla. Dicho país llevaba un siglo de intensas guerras, cuya profundidad salió de las fronteras galas, marcando a la humanidad. Por otro lado, París se había convertido en la capital de la expresión libre, de las ideas y del arte; la ahora llamada ciudad luz representó la expresión cosmopolita por excelencia, ¿cómo entonces va a salir música nacionalista de los ciudadanos del mundo?

Claude Achille Debussy nació el 20AGO62 en Saint Germain (muy cerca de París), en el seno de una familia de clase media sin muchas influencias musicales. A los 10 años, ingresó al conservatorio de París para estudiar piano, casi empatando con la llegada del compositor Ambroise Thomas a la rectoría de dicha escuela.

Durante su paso por el conservatorio (1872 – 1883) fue un alumno brillante, aunque con fuertes roces con respecto al uso de la armonía. Durante esta época, sus ingresos provenían de conciertos que ofrecía, donde su magistral interpretación de piezas al piano (Beethoven, Von Weber y Schumann) le comenzaban a dar renombre como virtuosos de este instrumento.

En los últimos años de su formación académica, propone sus primeras composiciones, las cuales son mayoritariamente poemas con música: canciones para piano y voz.

CD	Canción	Poeta	Año
-L 1-	Balada a la Luna	Alfred de Musset	1879
1	Madrid
2	Noche Estrellada	Théodore de Banville	1880
3	Ensueño
6	Capricho
7	Amémonos y Durmamos
9	Los Besos		1881
11	Rondel Chino
12	Tragedia	Leon Valade
13	Jane	Leconte de Lisle
14	Helena
15	La Chica del Pelo Rubio
16	Flor de Trigo	André Girod
17	Rondó	Alfred de Musset
18	Deseo	Théodore de Banville
19	Céfiro
21	Las Mariposas	Théophile Gautier
22	El Arco	Charles Cros
23	Los Besos de Amor	Maurice Bouchor
24	Canción Triste
25	Los Elfos
26	Marionetas	Paul Verlaine	1882
27	Égloga	Leconte de Lisle
28	Las Rosas	Théodore de Banville
29	Serenata
30	Pierrot
31	Fiestas Galantes
34	Todavía está Durmiendo
35	Daniel	Emile Cicile
36	La Lila	Théodore de Banville
37	Primavera	Anatole de Ségur
38	Olas, Palmas y Arena	Armand Renaud
41	Oda a Baco	Theódore de Banville
42	Ensordecido	Paul Verlaine
43	Mandolina
44	Seguidilla	Théophile Gautier
45	Claro de Luna	Paul Verlaine
47	Pantomima		1883
-L 48-	Flor de Agua	Maurice Bouchor
49	Canción Española	Théodore de Banville
50	Coquetería Póstuma	Théophile Gautier
51	Invocación	Alphonse de Lamartine
52	El Gladiador	Emilé Moreau
53	Romance	Paul Bourget
54	Música
55	Paisaje Sentimental
84	Bello Anochecer

Esto es un reflejo del ambiente en el París de finales del siglo XIX, un crisol intelectual donde se producían ideas y arte. Los poetas que Debussy seleccionó son contemporáneos a éste.

En los poemas seleccionados se observa el carácter erótico, que tantos problemas le ocasionaría en el futuro inmediato; temas como Claro de Luna, Amémonos y Durmamos, Olas, Playa y Arena o Seguidilla (tu falda ajustada a las caderas) son claras invitaciones de seducción.

Para 1883, finalizaría sus estudios en el conservatorio a sus 21 años, continuando con su composición de canciones en este formato (piano y voz) hasta los 28 años (1890).

Durante sus últimos cuatro años en el conservatorio, se avocó a la estudiar composición; por lo que sus ingresos cambiaron ahora, convirtiéndose en maestro.

Sus primeros discípulos fueron los hijos de Nadezhda Von Meck, quien fuera mecenas del gran Piotr Ilych Tchaikovsky. De 1880 a 1882, trabajó con dicha familia durante el verano.

Entre sus obras tempranas se aprecia un Trío para piano, violín y cello (CD 5) en 1879. Para el año siguiente compone su única Sinfonía (CD 8) y la Danza Bohemia (CD 4), la cual fue criticada de manera interesante por Tchaikovsky:

“… se trata de una pieza muy bella, pero está tan corta que no logra expresar plenamente una sola idea, la forma es terriblemente consumida…”.

El gran ruso define claramente lo que está por venir: el impresionismo musical.

Para 1881, compone dos obras para piano a cuatro manos:

     CD 10    Andante Cantabile
     CD 20    Diana

Además, en 1882 comenzó a proponer piezas más allá de sus canciones.

Para cello escribió:

     CD 39    Nocturno & Scherzo para cello y piano
     CD 40    Intermezzo para cello y orquesta

Para coro escribió:

     CD 32    Coro de Brisas para coro femenil a capella
     L 37       Hymnis para solista, coro y orquesta

Para piano a cuatro manos escribió:

     CD 62    Divertimento
     CD 33    El Triunfo de Baco

Cerrando su ciclo de preparación académica con la Primera Suite Orquestal (CD 46) en 1883, la cual consta de cuatro movimientos:

     1)  Fiesta
     2)  Baile
     3)  Sueño
     4)  Bacanal

La cantata El Gladiador, L 41, fue la primera obra en participar en un concurso, obteniendo el segundo lugar en el Gran Premio de Roma en 1883. Para el año siguiente, volvería a participar, pero en esta ocasión sí obtendría la primera posición (relegando a un segundo lugar a Paul Dukas) con su cantata El Hijo Pródigo, L 57, lo que significaría que obtendría una beca del gobierno francés para radicar durante 3 años en la Villa Médici, en la ciudad de Roma, para seguirse preparando.

Durante 300 años, el Prix de Rome fue el máximo galardón al cual un novel artista podía aspirar. Sin embargo, desde la segunda mitad del siglo XIX ha desmerecido mucho su crédito, dado que artistas de la talla de Lecroix o Manet en la plástica y Saint-Saëns o Ravel en la lírica nunca lo obtuvieron. Este premio está dirigido hacia artistas jóvenes (menores a 30 años).

La obras de Debussy no se encuentran clasificadas con la nomenclatura romántica de opus, por lo que su número de catálogo fue propuesto por vez primera en 1977 por François Marie Lesure, llevando la letra L, cambiando hace unos cuantos años por CD (Claude Debussy), con ciertos ajustes a la nomenclatura original de Lesure.

El impresionismo en la música está por iniciar.

Saludos.

150 años de Debussy: El impresionante impresionista

Existe un programa de radio llamado La Hora Nacional, el cual es transmitido por todas las radiodifusoras de México los domingos a las 10:00 PM. Durante sus ya 75 años de existencia (25JUL12) ha atravesado por diferentes etapas, mientras que algunas han sido excelentes, otras no cuentan con tanta suerte (la actual pertenece a dicha categoría); sin embargo, algo coincidente durante su ya larga vida es su baja popularidad.

Los 60’s, 70’s y la primera mitad de los 80’s se pueden considerar como excelentes para este programa, ya que se daban espacios para mostrar música mexicana (Carlos Chávez o Silvestre Revueltas), poesía de clásicos latinoamericanos (Rubén Darío o Pablo Neruda) y de contemporáneos (José Emilio Pacheco o Salvador Novo), de estos últimos se escuchaban sus obras casi al momento de ser escritas.

Por la anterior razón y dada la sequía de buen arte lírico en los medios de difusión (que hoy en día es aún peor), una buena práctica que yo tenía era “desvelarme” con mi grabadora para guardar esos registros y así disfrutarlos con mayor calma (y despierto) durante la semana.

Uno de los más bellos recuerdos que tengo de esa época ocurrió cuando se escuchó a un trío de guitarristas, quienes tocaron en el Concertgebaum de Ámsterdam un arreglo para la obra La Mar, de un autor hasta entonces desconocido para mí: Claude Debussy… el hechizo de su música “insinuada” realmente me atrapó, cautivándome por varias semanas y sin dejar de asombrarme hasta la fecha.

El día de hoy -22AGO12-, el implementador del impresionismo en la música celebra 150 años de haber nacido, por lo que este escrito es el primero de una serie para recordar a este gran compositor francés.

La mejor forma de celebrar a un artista es disfrutando de su obra, por lo que invito a mis tres lectores a escuchar a este gigante de la música durante estos días (con mayor asedio que de costumbre) para honrar su onomástico.

Saludos.

Obertura Solemne 1812, por Tchaikovsky

Aunque suene extraño, son pocas las fechas sobre batallas bélicas que son conocidas a nivel global; supongo que esto se debe a la publicidad realizada por parte de algún otro agente, como es el caso del 5 de mayo para MEX, donde todo el globo sabe que es una fiesta local, pero realmente pocos saben que se trata simplemente de una batalla.

Lo mismo ocurre con la batalla del 7 de septiembre de 1812, entre los franceses de Napoleón y las fuerzas rusas del Zar Alejandro I: la batalla de Boroninó.

La razón por la cual está batalla es recordada globalmente, más allá de que 125,000 personas fallecieron ese día (una de las más sangrientas de la historia), es porque 70 años después, Piotr Ilyich Tchaikovsky compuso una de sus obras más famosas: la Obertura Solemne 1812, opus 49, estrenada un día como hoy -20AGO12- hace 130 años.

El gran ruso la escribió por encargo del gran pianista ruso Nikolai Rubinstein, en seis semanas, tal vez ésa fue la razón por la cual menospreció su obra, considerándola de muy poco peso artístico.

La obertura es una pieza de un solo movimiento (como toda obertura), en el cual se trató de mantener el clásico formato de sonata, pero con inclusiones interesantes, ya que los tiempos son:

   1.  Lento
   2.  Andante
   3.  Allegro giusto
   4.  Largo
   5.  Allegro vivace

La obra inicia con la pieza Dios proteja a su pueblo, de la iglesia ortodoxa. Acorde a la partitura, se debe ejecutar con ocho cellos y cuatro violas, simulando los cantos de personas. La intención de este inicio es el recordar que fue la iglesia ortodoxa quien difundió la noticia de la declaración de guerra a Francia. En muchas ocasiones, se sustituye a los instrumentos descritos por un coro, cantando a capella.

El andante muestra un espíritu de rapsodia que se sigue hasta el final de la obra, donde temas rusos se alternan o se ejecutan juntos. Se tratan de temas folklóricos, populares y militares. La idea es mostrar el sentimiento apesumbrado del pueblo ante la invasión.

El allegro giusto es propiamente la batalla de Borondinó, donde La Marsellesa sobresale sobre el resto de los cantos rusos, los cuales son finalmente apagados… como lo fue la batalla.

El largo es tal vez la parte más bella de la obra, donde La Marsellesa prácticamente se desvance y los cantos rusos van en decrecendo. Se muestra a una Rusia incendiada y aplastada, cerrando con un bombardeo sobre Moscú (donde se vuelve a escuchar una fanfarria de La Marsellesa), ejecutado por la artillería con cinco disparos de cañón.

Después del desconsuelo anterior, la música rusa toma ahora el crecendo en el allegro vivace, donde un repiqueteo de campanas y el entonces himno nacional ruso, Dios salve al Zar, son apoyados con once salvas de artillería. Una vez terminado el himno, se escucha una variación para La Marsellesa, adaptada para sonar como música rusa, la cual es definitivamente la parte más famosa de la pieza y tal vez de toda la obra del gran ruso. Una banda de metales acompaña a la orquesta para el cierre espectacular entre coros, campanas, artillería e inclusive hasta fuegos artificiales.

Es interesante que, durante el allegro vivace, se matiza la importancia de la iglesia ortodoxa, ya que después de la dolorosa derrota de Borondinó (cerca de Moscú), el Patriarca Ruso le pidió al pueblo que rezarán para que la intervención divina los auxiliara… cosa que aparentemente ocurrió en el invierno de 1812, ya que los franceses fueron replegados, pero por las inclemencias del medio ambiente.

La tradición expresa que el gran ruso jamás escuchó la interpretación de su obra, algo que no se puede demostrar. Sin embargo, existen registros memorables que nosotros sí podemos hacer como el de Antal Dorati en 1954, con la Sinfónica de Minneapolis, donde los cañonazos de la artillería se ejecutan tal cual están descritos en la partitura.

Otra obra memorable fue en 1990, por ser el 150 aniversario del nacimiento de Tchaikovsky, donde la legendaria Orquesta Filarmónica de San Petersburgo, con Yuri Temirkanov al frente, llevó a cabo la ejecución en la tumba del compositor.

La obra es interpretada en todo el globo para celebrar eventos magnos; aún recuerdo como dentro de los festejos del 400 aniversario de la fundación de Monterrey -20SEP96-, la Orquesta Sinfónica de la UANL cerró la celebración con esta obra en el Palacio del Obispado, haciendo los disparos de salva desde sus cañones.

Saludos.

Jules Massenet, el puente entre la Grand Ópera Francesa y el Verismo

El día de hoy -13AGO12- se cumplen 100 años de la partida del gran compositor francés Jules Massenet.

La ópera tiene mucho que celebrar, apenas hace cinco años -24FEB07- se celebraron los 400 años del nacimiento de este género artístico, con la presentación de Orfeo por Claudio Monteverdi. Por otro lado, el próximo año se celebra el cumpleaños número 200 para los dos colosos de la ópera: Richard Wagner (por Alemania) y Giuseppe Verdi (por Italia).

Como el siglo XIX fue la consolidación de la ópera con los dos compositores románticos antes mencionados, Francia hizo una muy interesante propuesta en lo que se dio a llamar la Grand Ópera Francesa, un movimiento operístico que pretendió la monumentalidad: personajes famosos (históricos o literarios), muchos actores, grandes orquestas, entre 4 y 5 actos y al menos un ballet. Su inicio se podría considerar en 1829, con la impresionante ópera Guillermo Tell, de Giacomo Rossini, la cual fue un fracaso absoluto en su presentación, razón que muchos consideramos como el motivo por el cual -el otrora llamado Mozart italiano- se retiraría de la música.

Fue tan importante el repunte de la Grand Ópera Francesa, que los mismos Verdi (Aida, 1871) y Wagner (Rienzi, 1842) se vieron atrapados por la majestuosidad de la propuesta.

Bajo este entorno fue que Massenet inició en la música, naciendo el 12MAY42 (año que Wagner pondría en escena precisamente a Rienzi). En 1853, su familia se va a vivir a París, donde ingresa al conservatorio para estudiar piano. A sus 21 años (1863), se mueve a Roma, donde se convierte en discípulo de Franz Liszt.

En 1867, monta la primera ópera de 41 que escribió: La Gran Tía, una obra sencilla (ópera cómica) de un solo acto. No se trata de su primera creación (sino de la sexta), ya que previamente escribió La Ardilla de la Deshonra (1858, opereta), Los Dos Amigos (1859, opereta), Esmeralda (1865), Noureddin (1865) & Valeria (1865).

La obra fue un tímido intento de ingresar al mundo de la ópera, razón por la cual, escribió cuatro óperas más, sin llegar tampoco ser presentadas (hasta hoy en día): La Copa del Rey de Tule (1867), El Florentino (1867), Manfredo (1869) & Medusa (1870).

Para 1872, presenta su segunda ópera (la undécima de su producción): Don César de Bazán, la cual ya se trata de una ópera seria de cuatro actos, situada en la España del tristemente célebre Carlos II (1699), basado en el mejor drama de Víctor Hugo, Ruy Blas.

El éxito de su ópera, le abrió las puertas para presentar el primero de sus cuatro oratorios: María Magdalena (1873), el cual lo catapultó a la fama internacional, contando con el aval de Tchiakovsky y Gounod.

A pesar de su éxito, escribiría dos óperas más que todavía no han sido estrenadas: Los Templarios (1873) & El Adorable Boulevard (1873). Para 1875, presentaría su segundo oratorio, Eva, el cual pasó casi desapercibido. Se trata de una obra en cuatro partes, recreando el relato de Eva en el Edén, descrito en el Génesis.

Posteriormente, escribiría la ópera Berenguela & Anatolia (1876), la cual tampoco ha sido representada; sin embargo, para 1877 presentaría El Rey de Lahore, una ópera insertada en lo más característico de la Grand Ópera Francesa, contando con cinco actos, donde se llega a incluir hasta un saxofón. Convirtiéndose en su primer gran éxito operístico, exportándose ese mismo año a Roma, Turín, Boloña y Venecia.

Para el año siguiente, fue invitado a ser profesor en el Conservatorio de Paris, donde tuvo entre sus discípulos al gran compositor rumano George Enescu y a los franceses Henry Février y Gabriel Pierné.

Escribiría otra ópera Roberto de Francia (1880), la cual no se ha presentado todavía; pero no fue así con su tercer oratorio, La Virgen, obra de cuatro escenas que describe la vida de la Virgen María.

Para el siguiente año (1881), montaría su segundo gran éxito: Hérodiade, la cual es una obra basada en el libro de Gustave Flaubert, Hérodias. Se trata de una obra en cuatro actos, la cual fue increíblemente rechazada por el administrador de la Ópera de Paris, ante lo cual fue estrenada en Bruselas. La razón dada por este personaje es interesante, diciéndole a Massenet que su música es increíble, pero que necesitaba cambiar de escritor.

Escribiría entonces sus últimas dos óperas inéditas: Los Girondinos (1881) y Montalte (1883), las cuales siguen sin estrenarse; sin embargo, esto terminaría con el regalo de una verdadera obra de arte: Manon, en 1884, sin lugar a dudas, su ópera más representada.

Manon fue muy famosa en su época… y lo sigue siendo. Además, es una ópera que es un auténtico parteaguas. Se trata de una obra que aún conserva el espíritu de la Grand Ópera, pero marca la pauta para los nuevos tiempos: el verismo.

Sería tan popular Manon, que el mismo Massenet presentaría una secuela de la obra en El Retrato de Manon (1894), el cual se trata ahora de una ópera en un solo acto (muestra de los nuevos tiempos). Hasta el mismo Giacomo Puccini realizaría su propia versión de Manon Lescaut (como es el título original de la novela de Antoine Prévost) en 1893.

A partir de Manon, las 21 óperas siguientes fueron todas representadas, teniendo otro éxito increíble con El Cid en 1885, obra en cinco actos, basada en la famosa epopeya de El Cid Campeador.

Para finales de 1888, presentaría otra de sus obras más importantes, Esclarmonde. La obra requiere de una soprano de gran coloratura y es interesante observar que Massenet seleccionó para ser su protagonista a una estadounidense (Sybil Sanderson). Se trata de la ópera más cercana a Wagner, ya que recuerda por mucho a Tannhäuser. La ópera trata de una leyenda medieval, donde una emperatriz bizantina (Esclarmonde) es hechicera y seduce a un caballero francés (Roland de Bois).

Es interesante que Massenet siguiera con el tema de hechizos, ya que para 1891 presenta su ópera El Mago, manteniéndose en el formato de Grand Ópera.

Al año siguiente (1892), presentaría otra de sus joyas artísticas, Werther, basado en la obra homónima del gran Goethe. Werther se disputa la primacía con Manon sobre las óperas más representadas de Massenet. Así mismo, sigue la propuesta de Manon para el verismo.

Para 1893, presenta la ópera Kassya, como preámbulo para otra de sus obras maestras: Thais (1894). Otra obra de corte verista, cuya composición fue realizada ex profeso para la soprano estadounidense Sybil Sanderson.

Se trata de una obra en tres actos; en particular, el segundo acto posee la pieza más famosa de Massenet: Meditación, tratándose de un hermoso solo de violín, el cual forma parte del repertorio de todos los violinistas.

Le seguirían 15 óperas más, las 3 últimas estrenadas de manera póstuma: El Retrato de Manon (1894), La Navarra (1894), Safo (1897), La Cenicienta (1899, regresando al formato de la Grand Ópera), Grisélidis (1901), El Juglar de Notre-Dame (1902), Querubín (1905), Ariane (1906), Teresa (1907), Baco (1909, secuela de Ariane), Don Quijote (1910, de regreso a la Grand Ópera), Roma (1912, su última ópera en vida), Panurge (1913), Cleopatra (1914) & Amadís (1922, basada en el personaje Amadís de Gaula).

Además en 1900, presentó su cuarto y último oratorio La Tierra Prometida, en el esplendor de su fama.

Escribió la música para cuatro ballets, ya en la plenitud de su fama: El Carillón (1892, basado en una leyenda danesa), El Rosati (1902), La Cigarra (1904, basado en la fábula de Esopo de La Cigarra y la Hormiga, pero con el final alterado, acorde a las versiones de Jean de la Fontaine y de Félix María Samaniego) & Espada (1908).

Sin lugar a ninguna duda, Jules Massenet es uno de los compositores más trascendentales en la historia de la ópera.

Saludos.

Prevención... previsión...

Sin prevención, el incendio sorprente...

con previsión, la vida se defiende.

Celebrando 40 años de Smoke on the Water.

Saludos.



Re-Machined Head, homenaje por 40 años

Como se mencionó hace algunos meses, la gran obra de Deep Purple, Machine Head, celebra sus 40 años de haber sido publicada.

Aún consternados por la noticia del deceso de Jon Lord la semana pasada, hace unos minutos se acaba de anunciar un homenaje hecho por excelentes músicos a esta gran obra, el disco se intitula: Remachine, Deep Purple´s Machine Head.

Se anunció que la obra se estrenará el próximo 03SEP12, contando con los siguientes artistas:

1. Smoke on the Water – Carlos Santana
2. Highway Star - Chickenfoot
3. Maybe I’m A Leo - Glenn Hughes /Chad Smith/ Luis Maldonado
4. Pictures of Home - Black Label Society 
5. Never Before - Kings of Chaos (Joe Elliott/ Steve Stevens / Duff McKagan / Matt Sorum / Arlan Schierbaum)
6. Smoke on the Water - The Flaming Lips 
7. Lazy - Jimmy Barnes & Joe Bonamassa
8. Space Truckin' - Iron Maiden -
9. When a Blind Man Cries - Metallica 
10. Highway Star - Glenn Hughes /Steve Vai/ Chad Smith/ Lachlan Doley

Llama la atención que el famosísimo solo de guitarra en Highway Star será interpretado tanto por Steve Vai como por Joe Satriani (Chickenfoot).

Así mismo, será interesante escuchar la guitarra de Steve Stevens en Never Before.

Creo que va a ser extraño escuchar a Santana en esta obra, así como a Metallica en When a Blind Man Cries.

Sin lugar a dudas, Machine Head es un hito, un punto de referencia dentro de la música.

El mejor homenaje que se puede hacer a un compositor es seguirlo interpretando (palabras de Sir Charles Mackerras).

Saludos.

Jon Lord pasa a la inmortalidad

Hace unos momentos -16JUL12-, uno de los más grandes músicos contemporáneos acaba de formalizar su paso a la inmortalidad: Jon Lord.

El año pasado se celebraron sus 70 años con la promesa de nueva obra; sin embargo, el día de hoy su vida fue truncada, producto de un tromboembolismo pulmonar.

Lord deja atrás una serie de proyectos interesantes para este año como el Concierto para Organo y Orquesta, con Vladimir Ashkenazy, WhoCares, con Ian Gillan, Tony Iommi, Jason Newsted & Nico McBrain o su participación en la ponencia de su gran Concierto para Banda y Orquesta, programada para SEP12.

Ojalá que se rescate su última obra y, en su caso, se complete, para seguir disfrutando de su magia.

Adiós a un grande.

Jon was not only a great musician, he was my favorite dinner companion.

We are all deeply saddened. We knew he was sick

but the word was that he was recovering and doing much better.

This news came as a complete shock.

Without Jon there would be no Deep Purple.

He lives on in our hearts and memories.

Ritchie Blackmore, 17JUL12

Saludos.