La Serenata está de luto por Manuel Esperón

Tal vez el músico más influyente en la música popular mexicana durante el siglo XX fue Manuel Esperón, quien el día de ayer -13FEB11- pasó a la inmortalidad, llegando casi al centenario de su natalicio -03AGO11-.

De hecho, por la anterior razón fue colocada una estatua en su honor en la plaza Garibaldi de la Ciudad de México el pasado 15DIC10, ¡qué mejor honor puede tener un compositor que estar donde lo recuerdan todas las noches al volver a interpretar sus melodías!

La madre de Manuel Esperón fue regiomontana (Raquel González Cantú, quien fue pianista destacada en aquella época), a través de quien recibió el ánimo por la música desde muy temprano en su vida. Estudió en el Conservatorio de San Carlos y posteriormente en Bellas Artes, a la par de Ingeniería Civil en el Instituto Politécnico por la influencia de su padre quien fue Ingeniero en Minas.

Una vez terminada su formación (tanto de Ingeniero Civil, como de compositor) fue invitado a participar como compositor en el naciente cine sonoro en la película La Mujer del Puerto de 1933, la cual le abriría las puertas a su vocación para participar en poco más de 500 películas y componer 947 canciones, de entre las cuales sobresalen valses como Viva mi Desgracia, serenatas como Serenata Tapatía o En Serenata, boleros como Flor de Azalea o rancheras como Allá en el Rancho Grande, Traigo un Amor o No Volveré.

En su larga trayectoria de composición experimentó con otros ritmos tan sui generis entre sí como el Rock, Mambo, Polka o variaciones geniales como el Sombrero de Tres Picos de Manuel de Falla.

Su obra fue la plataforma de composición desde finales de los 40’s hasta los 80’s en la música popular mexicana. Tanta es su influencia, que todos los que dedicamos alguna vez una serenata (o muchas), tuvimos la necesidad de interpretar al menos una pieza de este talentoso compositor.

Su influencia es importante, al introducir el ritmo de vals para la música popular mexicana, propuesta que se seguiría por todos los compositores posteriores. Otros ritmos, como el bolero, no fue su propuesta en sí, pero con su obra se afianzaría en el gusto popular.

Una más de sus mejores influencias fue “poner a estudiar” a los mariachis, que a partir de su obra comenzaron a desarrollar una necesidad de escuela, dada la complejidad en muchas de sus obras y la profesionalización de los mismos al introducirlos al cine sonoro. De esa manera, el mariachi se convirtió en un ensamble, el cual se puede acoplar con soltura a una orquesta.

Intérpretes como Jorge Negrete, Pedro Infante o Los Panchos no hubieran hecho historia si no fuera por la música de Esperón. Una anécdota simpática que siempre contaba Esperón referente a Pedro Infante fue durante sus inicios como cantante, Infante quería cantar como Negrete (al igual que todos en aquella época) y lo convenció de no intentarlo (nunca iba a poder, simplemente su tesitura y potencia eran muy menores) argumentando los siguiente: “Jorge puede darle serenata a una muchacha que viviera en un octavo piso y ella lo escucharía perfectamente, pero si él le llevara serenata a una muchacha que viviera en la planta baja, entonces le iba a ir mejor, ya que le podía cantar al oído e inclusive hasta besito sacaría”.

Cuando Disney fue invitado por el gobierno de EEUU a crear una película de “buena vecindad” intitulada Los Tres Caballeros, no dudo Walt Disney en invitar a Esperón como compositor para su quinta película animada en 1944.

Como dato interesante, el Himno del Instituto Politécnico Nacional es letra del gran poeta Carlos Pellicer con música de Manuel Esperón.

Por todas las desveladas dando serenata, ¡Muchas Gracias!.

Don Manuel Esperón es el tesoro
más grande que tiene nuestra música

15DIC10, Martin Uríeta

Vicepresidente Ejecutivo de la
Sociedad de Autores y Compositores de México

 

Saludos.

Cerrando El Viaje de la Vida, por Eugenio Toussaint

Una verdadera y desafortunada noticia nos sorprende ante el prematuro fallecimiento (56 años) de un caso extraño (aunque no único) de un músico de jazz convertido en compositor sobresaliente, Eugenio Toussaint quien dio su paso a la inmortalidad hace dos días -08FEB11-.

Después de 19 años de ser considerado como uno de los mejores exponentes del jazz mexicano al piano, Toussiant fue un músico que comenzara un poco tarde en su composición no-jazzística, ya que su primera obra fue conocida hasta 1991, México de mis Amores, la cual consta de 17 arreglos sinfónicos para música popular mexicana, una obra muy popular en aquel entonces.

A partir de este momento, su composición despegaría contando con 2 célebres Conciertos para Cello, el segundo de ellos dedicado a nuestra gloria regiomontana Carlos Prieto hace 12 años (con motivo de celebrar el cambio de milenio).

En 1995, compuso su famosa Sinfonía #1, El Viaje de la Vida, la cual consta de 4 movimientos: Niñez, Juventud, Madurez y Vejez; la cual ha sido aclamada desde su presentación en DIC95.

Para 1997 escribió su único ballet, El Día de los Muertos, montado en la ciudad de Phoenix.

Ya en el cambio de siglo, escribe su única obra religiosa, Misa Latinoaméricana (2001), tomando la misma idea de la famosísima Misa Criolla, opus 4, compuesta por el talentoso argentino Ariel Ramírez en 1964.

El resto de su obra consta de música de cámara, conciertos o poemas sinfónicos, destacándose entre otros, Popol Vuh (1991), Danzas de la Ciudad (dedicada a Nueva York en 1992), Suite de las Ciencias (dedicada a la UNAM en 1993), Concierto para Guitarra (1994), el Concierto para Piano Bouillabaisse(dedicada a Miles Davis, al celebrar su quinto aniversario luctuoso en 1996), su magistral Trío, Música para Beber Vino (2008) y su última obra, el gran Concierto para Clarinete (2010).

Una gran pérdida para la música mexicana,
una gran pérdida para la música…

Saludos.

En el bicentenario de Charles Dickens, El Misterio de Edwin Drood

El día de hoy -08FEB11- comienza la cuenta regresiva para el bicentenario del natalicio para ese gran escritor inglés Charles Dickens, quien nació un día como hoy, pero hace 199 años.

En los tiempos de Dickens, los ingleses estaban recibiendo la estafeta como superpotencia y el Imperio Británico entraba un poco tarde al romanticismo europeo. Bajo ese entorno, Dickens se convirtió en un crítico muy crudo para una realidad que les comenzaba a cegar.

Sus obras fueron publicadas en capítulos secuenciados mensualmente, con excepción de 5 de ellas, una serie de novelas navideñas: Las Campanas, El Grillo del Hogar, La Batalla de la Vida, El Hombre Cazado y su clásico (y primero de dicha serie) Cuento de Navidad, donde se narra la vida del clásico personaje Ebenezer Scrooge y su Bah, Humbug!; es tanta la influencia de dicha novela que Scrooge se conviritió en mote para una persona avara dentro de nuestra cultura.

Además de los anteriores cuentos moralistas, Dickens denuncia la hipocresía con la cual la sociedad inglesa se manejaba, mientras que las personas menos favorecidas económicamente vivían un  verdadero infierno, describiendo magistralmente dicha situación en Las Aventuras de Oliver Twist, Grandes Esperanzas y en una de sus mayores genialidades llamada Historia de Dos Ciudades donde refleja la ambivalente vida de Paris y Londres, antes y durante la revolución francesa; como ejemplo, con estas palabras da comienzo dicha obra:
It was the best of times… it was the worst of times…
(frase y tema que Styx toma para su obra más famosa Paradise Theatre en 1981).

Definitivamente que su obra maestra es una autobiografía disfrazada llamada David Copperfield, donde el protagonista es quien narra la obra y muestra como evoluciona el personaje hacia su madurez. La obra ha sido descrita adulada por escritores tan importantes como Leon Tostoi, Franz Kafka, Segismund Freud o James Joyce quienes la tomaron como plataforma para algunas de sus creaciones o ensayos. Sobra decir que el mismo Dickens la consideraba como su preferida. Un personaje antagónico llamado Uriah Heep dio nombre al grupo de rock británico, hoy grupo de culto y se piensa que dicho caracter lo tomó Dickens del propio Hans Christian Andersen, a quien recién conoció cuando escribió la novela.

Dickens escribió poemas, ensayos y cuentos cortos; sin embargo,  su trabajo importante son sus 19 novelas completas y 1 inconclusa, que llegó tan sólo a la mitad de su serie (6 de 12 capítulos). La BBC anunció que, como preparación para la celebración del bicentenario, presentará dicha obra: El Misterio de Edwin Drood en 4 partes, con una conclusión de la obra escrita por Gwyneth Hughes.

Saludos.

Still Got the Blues, by Gary Moore

It’s not the same
when I look in her eyes,
the magic’s not there,
and when I look, I realize
what we could have share…

El anterior poema nos llegó hasta la médula espinal en SEP83, cuando fue presentado ante nosotros por el gran guitarrista irlandés que fue Gary Moore, fallecido el día de hoy -06FEB11- en Málaga, España.

Gary Moore fue una de las guitarras de mayor influencia para la segunda mitad del siglo XX, siendo miembro fundador de Thin Lizzy y guitarrista de apoyo para un sinnúmero de personalidades.

Sin embargo, su mayor aportación a la música fue su carrera de solista, contando con 20 obras publicadas de esta manera, desde 1973 hasta el 2008, dejando un legado que se puede considerar como una excelente clínica para todo guitarrista. Muchos guitarristas lo consideran como su pauta a seguir, entre ellos Vivian Cambell, Adrian Smith, Jake E. Lee, Randy Rhoads o Kirk Hammet, quienes siempre han hecho público su gran admiración a este gran músico.

Muchos lo consideramos como uno de los más finos guitarristas de blues, a la misma altura que B.B. King o Greg Lake, tan sólo por mencionar a algunos de los más importantes. Fue discípulo de Peter Green (Fleetwood Mac) a quien le dedicó su décimotercer álbum intitulado Blues for Greeny (1995).

En la medida que el tiempo avanzaba, así mismo era la calidad en su composición, tal vez su mejor obra en vida fue Close As You Get de 2002, donde incluye piezas de John Mayall y Chuck Berry.


Entre su obra más destacada sobresale Corridors of Power de 1983 con el apoyo de Niel Murray (Whitesnake/Black Sabbath) y Ian Paice (Deep Purple) y After de War de 1989 con Ozzy Osborne (Black Sabbath) y Cozy Powell (Rainbow/Black Sabbath).



Popularmente hablando, es muy posible que su obra más famosa haya sido Still Got the Blues de 1990, donde incluye a toda una pléyade de personalidades.

Otra estrella más se une al firmamento, su obra es un legado universal.

Saludos.

OSUANL en vivo, por Opus 102

Hoy es un día histórico -27ENE11-, ya que la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma de Nuevo León –OSUANL- (Nuestra Orquesta, mote con el que le conocemos) presenta por primera ocasión su semanal concierto en tiempo real a través de la estación del FM local (MTY) 102.1, la cual también transmite por internet (http://www.ustream.tv/channel/opus-fm#).
 

El hecho de que la difusión cultural haya llegado hasta este punto, es fruto del esfuerzo de muchos grandes de mi pueblo.

Por un lado, la OSUANL tiene sus orígenes en los esfuerzos del regiomontano Daniel Zambrano y el famoso compositor neoleonés Armando Villarreal Lozano, quienes formaron la Academia Beethoven y la primera orquesta en Monterrey (adscrita a la propia Academia), respectivamente, durante la primera mitad del siglo XX. Ante la muerte temprana del maestro Zambrano (1936), Academia y orquesta terminaron sus andares, por lo que un discípulo de ambos, Manuel Flores Varela, violinista y futuro alcalde de MTY crearía la Escuela Municipal de Música en 1939, la cual evolucionó 9 años después en la actual Facultad de Música de la UANL, gracias al gran apoyo de Enrique C. Livas, rector en turno.

Unos años después (1952), se crearía la compañía Ópera de Monterrey, que a lo largo de 9 años hizo un esfuerzo titánico por presentar a personajes tan importantes como Victoria de los Ángeles o Giuseppe di Stefano (del cual hay anécdotas interesantes de su paso por MTY en el ya desaparecido y tradicional Mingo’s). Para la orquestación y coros mantuvo el apoyo del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) durante sus primeros años, pero para NOV59 Rogelio Villarreal Garza le pidió a Flores Varela que formara la OSUANL, que inició sus presentaciones como apoyo a la Ópera Monterrey al año siguiente.

La OSUANL celebró sus primeros 50 años el pasado otoño del 2010 con una gira que los llevaría hasta la edición del XXXVIII Festival Cervantino, interpretando el ballet El Pájaro de Fuego  de Stravinsky y la Obertura Egmont de Beethoven.

Por otro lado, Opus 102 es el esfuerzo muchos otros grandes como los aún estudiantes universitarios Natividad González Parás y Fernando Elizondo Barragán quienes fueron apoyados por el locutor Luis Marcelino Farías, gobernador en turno de Nuevo León, para comenzar con el proyecto de formar una radio universitaria con expectativas de difundir música al pueblo. Sin embargo, fue hasta el período con el Dr. Pedro Zorrilla Martínez (siguiente gobernador) quien cristalizaría dicho proyecto en MAR78, iniciando las operaciones de Radio Nuevo León en FM (así como su estación hermana, la cual tenía ya 1 año transmitiendo en AM).

13 años después (1991), Mentor Tijerina Martínez y el gobernador en turno, Sócrates Rizzo García le regresarían su espíritu original de difusión cultural, colocando al frente al gran poeta regiomontano, Jorge Cantú de la Garza, quien fungió como atractor para toda la comunidad artística, contando con personajes inteligentes y apasionados como Felipe de Jesús Cantú (recientemente fallecido) para ir creciendo año con año.

Este año es el bicentenario del natalicio de Franz Liszt y el centenario del fallecimiento de Gustav Mahler, la OSUANL y Opus 102 se unen a ambas celebraciones globales al dedicar su primera temporada del año a ambos colosos. Por cierto, da inicio con la Sinfonía 1 –Titán– de Mahler, un poema sinfónico basado en la novela del mismo nombre escrita por el alemán Jean Paul 100 años antes.

La obra está dividida en dos partes, la primera está conformada por 3 movimientos, aunque reducidos a 2:
 

1)    Primavera sin fin (Sonata). Es un movimiento muy singular donde se muestra el amanecer, con el canto de pájaros, la brisa del aire, donde se pretende pintar hasta el rocío y sus aromas. Como mucha de la obra de Mahler, se le da mucha vida a los instrumentos de viento en lugar de las cuerdas, de hecho el clarinete simula simpáticamente a un cucú.
 

2)    Capítulo Floral – Blumine– (Andante). Es una muy bella pieza dedicada uno de sus grandes amores, una chica llamada Johanna Richter, movimiento que retiraría tiempo después por haberla perdido. Los grandes intérpretes mahlerianos como Haitink, Solti o Bernstein jamás interpretarían dicho movimiento, haciendo honor a su autor; sin embargo, hace poco más de 40 años, Britten lo rescataría, pero incluyéndolo tan sólo como un apéndice a la obra, que es como en muchas ocasiones se interpreta.
 

2)    Despliegue de Velas (Scherzo). Se convirtió en el segundo movimiento, el cual es un alegre Ländler (antecesor del Vals, también en tiempo de 3/4); se trata de una pieza bailable dentro de lo más famoso en la obra de Mahler.

La segunda parte está integrada por 2 movimientos:
 

3)    El Funeral del Cazador (Marcha Fúnebre). Este movimiento es una de las más grandes genialidades del compositor, toma como tema el famoso cántico infantil francés Martinillo (Frere Jacques) y lo transforma en Marcha Fúnebre, con ciertos momentos de música judía, como matiz para el tema.
 

4)    Del Infierno al Paraíso (Passionate). La fuerza con que cierra la obra es un contraste fuerte con el movimiento anterior, pero a la vez es una especie de resumen para toda la obra, donde se toman todos los temas musicales propuestos. La idea de este exceso de pasión es trazar la expresión que carga un corazón herido. Concluye de manera espectacular, con la misma fanfarria con la cual comenzó.

Regresando a la fiesta de hoy por la noche, un escalón más ocurre en nuestra difusión cultural; los regiomontanos, que desde fuera de nuestro pueblo mantenemos viva la llama de nuestro Monterrey en nuestro espíritu, estamos muy agradecidos.

Saludos.

Saludos Inmortales al Padre Tapia

Uno de los intelectuales más importantes de mi natal Monterrey, el Monseñor Doctor Aureliano Tapia Méndez, dio un paso hacia la inmortalidad el día de ayer -23ENE11-.

El padre Tapia, como todos lo conocimos, fue un escritor muy prolífico, teniendo es su haber más de 200 obras publicadas, la mayoría centradas en la Historia (nuestra mutua pasión), aunque también figuran ensayos tanto de Literatura como de Filosofía.

Entre sus obras, existen crónicas de personajes religiosos locales, pero también escribió sobre otros personajes como José Eleuterio González (Gonzalitos), Alfonso Reyes y Sor Juana Inés de la Cruz, de quién publicó varios ensayos, sobresaliendo una famosa Carta que el mismo descubriría en el Seminario de Monterrey sobre su Autodefensa Espiritual. Contando con el apoyo en los prólogos de gente tan destacada como Raúl Rangel Frías, Alfonso Reyes y Sócrates Rizzo García.

En sus andares como religioso, figuró como párroco de San Pedro Apostol (1977-1980) y del templo de la Purísima (1980-2003) consiguiendo elevar dicha joya arquitectónica regiomontana al grado de Basílica Menor.

Ya como Capellán de Honor (título otorgado por Juan Pablo II), logró la creación de la escultura en cobre para la virgen de Guadalupe que estuvo en el río Santa Catarina (hasta antes del huracán Alex), la cual fue sustituida por una de Acero hace poco más de un mes -12DIC10-.

Como todo un héroe, el padre Tapia será homenajeado con una Misa de Réquiem en la Basílica de Roble el día de hoy a las 5 PM, donde sus restos ya tienen un espacio de honor.

Adiós a un grande de las letras en Monterrey...
a un gran maestro...
a un gran amigo.

 

50 de 70 años de gloria para Plácido Domingo

 

Un día como hoy -23ENE11-, pero hace 70 años, nació una de nuestras mayores glorias y definitivamente nuestro mejor embajador, Plácido Domingo.

La carrera del gran tenor es simplemente impresionante, superando la centena de grabaciones en 50 años de carrera artística (¡2 grabaciones por año en promedio!).

Debido a lo anterior, a su colección de reconocimientos se suma el otorgado hace justamente una semana -14ENE11- como miembro de la Orden de las Artes y las Letras de España.

A pesar de que comenzó su carrera haciendo coros para personajes como César Costa o Enrique Guzmán, o que la primera ocasión que pisó un escenario fue en el Teatro Degollado de Guadalajara -12MAY59-, fue hace poco más de 50 años que saltaría a la fama global al tener su primer papel protagónico como el Alfredo de La Traviata, en el desaparecido Teatro Olympia de Monterrey.

A partir de este punto, su carrera ascendió como la de ningún otro tenor, siendo dirigido por grandes maestros como Karajan, Solti, Levine o Mehta.

Un dato impresionante es la cantidad de ocasiones que ha iniciado la temporada en el Met de Nueva York, con un récord imbatible de 21… su más cercano competidor es Enrico Caruso con tan sólo 4.

En estos momentos está presentando Ifigenia en Turide de Gluck, en Madrid, una muestra de su imparable actividad.

Su voz, que pertenece a una edad de oro de grandes voces españolas,
le ha distinguido en el mundo entero como uno de los artistas más admirados.

Ángeles González Sinde

Ministra de Cultura de España

 
Saludos.

101 años de Radio: Cavalleria Rusticana/Pagliacci

En un día como hoy -13ENE11-, pero hace 101 años, se realizó la primera transmisión comercial de radio, realizada por Lee De Forest a través de su empresa Radio Telephone Company.

Como De Forest fue un apasionado de la ópera, su primera transmisión fue precisamente la presentación en vivo de la hoy tradicional mancuerna conformada por las óperas Cavalleria Rusticana y Pagliacci, desde la catedral de la ópera en América, el Metropolitan de Nueva York.

La dirección de las mismas estuvo a cargo de Egisto Tango y tuvo la gran participación de Enrico Caruso en el papel de Canio (para Pagliacci).

Realmente, la primera transmisión fue un día antes con los actos II & III de la ópera Tosca, también desde el Met, pero se trató de una prueba piloto, por lo que oficialmente se considera el día de hoy como el nacimiento del Radio comercial. Así mismo, el propio De Forest hizo algunas pruebas dos años antes desde la Torre Eiffel.

La emisión alcanzó hasta Nueva Jersey y se estima que unos cuantos cientos de personas tuvieron la oportunidad de apreciar el histórico evento.

Según las crónicas de la época, no fue de la calidad que se esperaba, ya que los técnicos que operaban la transmisión se escuchaban con mejor claridad que los cantantes o la música en sí misma… fue muy simpática la crítica periodística, ya que cuando ocurrió uno de los momentos más emotivos de Pagliacci, en la famosísima aria Vesti la giuba, un técnico le dice a otro: “esto amerita unas cervezas”, escuchándose en la transmisión con mejor fidelidad que la voz de Caruso.

Creo que muchos seguimos esa propuesta (de disfrutar con tinto o cheves la música el sábado por la noche), ya que desde ese entonces el MET transmite los sábados de temporada a todo el globo y somos muchos los que le estamos agradecidos.

¡Viva il vino spumeggiante!

 (Cavalleria Rusticana, Pietro Mascagni)

Saludos.

2011 comienza en los Campos Elíseos, Stratovarius

El día de hoy, el gran proyecto finés Stratovarius da un paso más en la historia de la música con su décimortercera obra: Elysium.

Después de la excelente recepción que tuvo su obra anterior Polaris (2009), utilizan nuevamente la estrella-nave de su portada, pero ahora arribando al paraiso mitológico de los Campos Elíseos, mientras que el sencillo presentado hace dos meses (26NOV10) de Darkest Hours refleja el mismo arribo de la nave-estrella, pero a un basurero industrial, todo contaminado.

Se trata de un recurso ya empleado por ellos hace 10 años con su octava obra Infinite (28FEB00) donde los actores principales de su portada interactúan en un escenario que es completamente diferente para la portada del sencillo Hunting High and Low; por cierto, también es la primera pieza de dicha obra.

El día de ayer se iba a presentar un concierto, precisamente en la famosísima Sala de Conciertos L’Elysee Montmartre (escenario con ya dos siglos de existencia) en Paris, pero una fuerte intoxicación alimenticia motivo la cancelación de último minuto a lo que iba a ser el estreno de la obra en este simbólico lugar.

Casi toda la obra es inspiración del dueto Timo Kotipelto (voz) y Matias Kupiainen (guitarra y productor), dejando tan sólo dos a Jens Johansson (teclados) y una a Lauri Parra (bajo). Sin embargo, el acoplamiento en la interpretación de cada una de las piezas, dista mucho del individualismo en la composición.

La obra da inicio con Darkest Hours, que al igual que la tercera pieza Infernal Maze, fueron presentadas como sencillas en NOV10. Una excelente pieza para dar inicio a la obra. Con un muy bello solo de guitarra justo en la parte intermedia de la misma.

A diferencia de la pieza anterior, la siguiente, Under Flamming Skies, recuerda por mucho la composición de Yngwie Malmsteen, contando con un cierre muy utilizado por Ritchie Blackmore.

Infernal Maze, la tercera en turno, da inicio con una capella de Kotipelto, para pasar un acompañamiento muy suave por parte de Johannson, una manera de matizar la intención de la pieza, ya que rápidamente, tanto teclados como guitarra recuperan el sonido característico de Stratovarius.

La siguiente pieza, Fairness Justified, tiene un comienzo aún más suave que la anterior, pero manteniéndolo a lo largo de la misma, como un descanso para la composición del dúo Stratovarius.

Justo a mitad de la obra, cambia la autoría; la quinta pieza, The Game Never Ends, es escrita por el legendario tecladista sueco Johannson, que magistralmente el resto del grupo la acopla para hacerla propia.

La única pieza del bajista finés Lauri Porra es Lifetime in a Moment, pieza donde se agradece la oportunidad que le fue brindada; a pesar de que suena muy diferente al resto de la obra, definitivamente no demerece.

La séptima pieza es nuevamente de Johannson, Move the Mountain, bella balada rítmica que sigue con increíble naturalidad el tema de la obra.

La octava pieza, Even Horizon, regresa la obra al dúo Kotipelto-Kupiainen, ante lo cual, se recupera la esencia de Stratovarius. Es una preparación para la pieza que cierra la obra y da título a la misma: Elysium.

Elysium es la conclusión de la obra, en toda la extensión de la palabra, no es tan sólo la mejor pieza, sino que agrupa el mensaje de buscar el paraiso en un mundo mejor, en una mejor vida.

La última pieza es magna no solamente en su composición per se, sino que además es muy extensa, llegando a los casi 20 minutos, siendo la pieza más extensa de toda su historia… incluída en una de sus obras mejor constituídas.

Saludos.

Integridad, por Albert Camus

La integridad no tiene necesidad de reglas…

Una pequeña muestra del gran pensamiento del francoargelino Albert Camus, recordando los 51 años de su partida.

Saludos.