Tuesday, August 3, 2010

At the Edge of Time: Blind Guardian



Una de las obras más esperadas durante el año por fin vio la luz durante el fin de semana pasado -30JUL10-, se trata del noveno álbum del grupo alemán Blind Guardian, intitulado At the Edge of Time.

A pesar de que la obra consta tan sólo de 10 piezas, Blind Guardian incluye otras 6 piezas más, un video y hasta un documental de forma anexa.

Hace poco más de un mes -25JUN10-, se publicaron 3 piezas como preámbulo de lo que venía: A Voice in the Dark, You’re the Voice & War of the Thrones.

You’re the Voice es un cover del australiano John Farnham, uno de sus pocos éxitos fuera de su país, con un arreglo muy interesante (y superior al original, obviamente); por otro lado, la pieza War of Thrones presentó una versión muy diferente a lo escuchado en la obra, mientras que la primera versión es un bello arreglo para cuerdas, ahora la segunda versión es interpretada con piano.

Al igual que sus creaciones anteriores, la obra íntegra es composición de los dos pilares del grupo: André Olbrich (guitarrista) y Hansi Kürsch (vocalista).

La obra da inicio con la pieza Sacred Worlds, la cual es realmente una nueva revisión a su pieza clásica Sacred, muy popular entre la cultura del videojuego, al ser escrita ex profeso para Sacred 2: Fallen Angel.

La pieza da inicio con una orquestación realmente impresionante donde los violines, percusiones y coros se alternan el control de la melodía… para que la guitarra les robe la presencia tan pronto alterna con la increíble voz de Kürsch. Ahora que la pieza es presentada en un álbum, se muestra con una excelsa y renovada brillantez.

La segunda pieza, Tanelorn (Into the Void), es continuación de la pieza The Quest for Tanerlorn (1992, Somewhere Far Beyond), donde se narra la última aventura (volumen 15) en la Ciudad Eterna (Tanelorn) por parte de Erekosë (The Eternal Champion), novela del género de fantasía, escrita por el británico Michael Moorcock.

La pieza comienza con una entrada de guitarra que trata describir la emoción del viaje hasta llegar a la ciudad. Los clásicos cambios de ritmo para que la voz se luzca son muy evidentes en esta pieza… sobre todo por los lamentos: cry for Tanelorn

La pieza recuerda en mucho el estilo que Blind Guardian tenía a principios de los 90’s.

La tercera pieza, Road of No Release, es basada de la novela Inkeeper’s Song (1993) del escritor estadounidense Peter Beagle.

Con una bella entrada de piano da inicio la pieza. La guitarra entra con sutileza para no estropear la presencia del piano, pero la voz no hace lo mismo al mostrarse irrespetuosa ante la armonía, por lo que toma la melodía y le sube la intensidad de la pieza. Durante los dos intermezzos, guitarra y piano comparten la melodía en un acompañamiento realmente destacable.

La Cuarta Pieza, Ride Into Obsession, es la primera de dos piezas que tratan la obra literaria épica Wheel of Time (WoT) del estadounidense Robert Jordan. Siendo, en sí misma, una presentación de los personajes.

La pieza recuerda mucho el inicio de la banda a mediados de los 80’s, dada la velocidad de la misma… tal vez sea la pieza más cercana al Speed Metal en la obra.

La quinta pieza, Curse My Name, está tomada del libro El Ejercicio de la Magistratura y el Reinado (1649), de ese gran escritor inglés llamado John Milton.

La pieza es una balada rítmica, que da inicio con una entrada renacentista en la guitarra (muy al estilo de Ritchie Blackmore) y con un acompañamiento de flauta que le da ese aire a la época de Milton. A lo largo de la pieza, poco a poco se van incluyendo violines, trompas y percusiones propios al período anterior al barroco.

La sexta pieza, Valkyries, es como su nombre lo indica, una oda a la mitología escandinava, donde se muestra una composición con trazas de Asia o Yes, algo muy raro en Blind Guardian, pero que beneficia de sobremanera a la voz de Kürsch.

La séptima pieza, Control the Divine, es otra obra basada en la literatura de Milton, pero ahora de su obra maestra El Paraíso Perdido (1667), donde se describe el discurso motivacional de Luzbel para comenzar la revolución.

La pieza alterna entre guitarra eléctrica y acústica para matizar el discurso. Por momentos, la guitarra tiene un sonido muy similar a Brian May.

La octava pieza, War of the Thrones, es de los tres “entremeses” publicados hace poco más de un mes, pero para beneplácito de todos, en una nueva versión, con piano.

La pieza es una balada tomada de la obra A Song of Ice and Fire, del escritor estadounidense George R.R. Martin, la cual tuvo una adaptación para TV a mediados de los 90’s llamada Games of Thrones, de donde evolucionó hacia el nombre de la pieza.

La pieza da inicio con un solo de piano y voz, al cual se une paulatinamente el resto de la orquestación en un crecendo continuo hasta el final de la pieza, pero tan sólo en la intensidad del sonido, ya que nunca sale de moderato. A mitad de la pieza, la guitarra tiene un tímido reemplazo para al piano en el liderazgo, que el piano rápidamente recupera.

La novena pieza, A Voice in the Dark, es otra pieza tomada de la misma obra literaria de Martin, que al igual que la anterior, es una nueva versión a la pieza editada hace poco más de un mes. Definitivamente que es la pieza más cercana al Heavy Metal de todo el álbum.

Se nota que “tiraron la casa por la ventana” en esta pieza, tal vez se tenía como objetivo que fuese su pieza insignia de esta obra.

La décima y última pieza, Wheel of Time, es una continuación para la presentación hecha en Ride into Obsession de la obra de Jordan del mismo nombre, WoT.

Da inicio con una bella orquestación, digna del cierre para la obra, donde se muestran acordes característicos a la música folklórica húngara, eslava y turca. A medida que la pieza avanza, recuerda mucho la obra del 2002, A Night at the Opera, sobre todo en los momentos donde se muestran pasajes de la Ilíada de Homero y de la Eneida de Virgilio.

La inclusión de dos diferentes coros al final de la obra le dan un cierre simplemente espectacular a la pieza y, en sí, a toda la obra.

La dieta con que nos tenía Blind Guardian durante los últimos 4 años bien valió la pena; tan es así que merece la apertura de un buen tinto y un buen queso para disfrutarlo por primera vez… así como por sus consiguientes secuelas.

Saludos.

Friday, July 23, 2010

Velada Cerveza-Veraniega: Krokus – Foghat – Molly Hatchet



Después de muchas evaluaciones, he llegado a la conclusión de que lo mejor que existe para acompañar unas cheves es el Rhythm’n’Blues. Justo para estas noches de verano, es altamente recomendable el disfrutar las recientes obras de 3 grupos clásicos dentro de este género: los suizos de Krokus, los británicos de Foghat y los estadounidenses de Molly Hatchet.

1) Krokus: Hoodoo

El pasado 03MAR10 Krokus publica su décimosexto álbum intitlulado Hoodoo.

Krokus fue (y sigue siendo) ampliamente criticado como un clon de AC/DC… pero en la versión de Bon Scott… mientras que la inclusión de Brian Johnson generó una evolución interesante a los australianos durante los 80’s, Krokus mantuvo ese estilo vivo hasta la fecha, algo que se les agradece.

El disco está muy cervecero, incluso la pieza clásica de Steppenwolf, Born to be Wild, que es arreglada muy al estilo de Krokus.



2) Foghat: Last Train Home

Hace poco más de un mes, 15JUN10, Foghat nos sorprendi
ó con su vigésimoprimera obra: Last Train Home.

Del grupo que fue muy famoso en la segunda mitad de los 70’s, tan sólo permanecen Craig McGregor y Roger Earl, bajista y baterista, respectivamente. Sin embargo, su nuevo vocalista, Charlie Huhn, así como su ya probado guitarrista, Bryan Bassett, mantienen el estilo muy peculiar de composición para este grupo.

Las piezas de Lousiana Blues y 495 Boogie son simplemente increíbles… bueno, realmente toda la obra.



3) Molly Hatchet: Justice

El pasado 01JUN10, la legendaria banda de Rock Sureño nos mostr
ó su décimosegundo álbum, intitulado Justice.

El álbum es en sí un tributo al guitarrista Duane Roland, fallecido hace 4 años (19JUN06), con la excepción de la pieza Fly on the Wings of Angels (Somer’s Song) dedicada a una niña asesinada en OCT09, la cual es una balada rítmica muy deliciosa.

La mejor forma de hacer un homenaje es dando lo mejor de uno mismo, en este caso, creando música.

Molly Hatchet apareció en escena justo después del trágico accidente de Lynyrd Skynyrd, evento que posteriormente le daría nombre a su segundo álbum Flirtin’ with Disaster… pero ya entrados en los 80’s, cambiarían su estilo musical, acci
ón que los alejaría del gusto popular suficientemente como para que en 1990 se marcara su despedida parcial… durante finales de los 90’s comenzarían tímidos intentos de regreso con obras nada exitosas. A partir del 2005 se reagruparían nuevamente, pero tan sólo para tocar en los bares de su nativa Jacksonville, ahora llamándose Gator Country (pieza clásica de su primer álbum Molly Hatchet en 1978) y creando esta última obra maestra, que recuerda su buena época en los 70's.



¡Salud!

Saturday, July 17, 2010

Despedida


Juvenil belleza,
¡cuánto me atormentas!
hermosa vienesa,
mi vida revientas.

Laceraste el corazón,
queda un soplo de aliento…
¿porqué llevas mi sazón,
dejando lo que siento?

Parto pronto de este mundo,
dejando obras inconclusas…
van al abismo profundo
junto a tus vanas excusas.



Alma, la esposa de Mahler, amaba a su padre Rudolf Schindler;
solamente podría buscar y amar de esa manera a un hombre.
La edad de Mahler, que él tanto temía,
fue precisamente lo que lo hizo atractivo para su esposa.
Mahler amaba a su madre, por lo que veía su estilo en cada mujer.
Su madre vivió emproblemada y llena de sufrimiento,
inconcientemente él buscaba esto en su esposa Alma.
Sigmund Freud
Viena, Agosto 1910





Friday, July 16, 2010

A Star no longer Shines








A star no longer shines in the night,
today, the music is getting dark…
Mackerras’ baton no longer fights:
a muted voice from the australian lark.

Bohemians have a new mourning day,
Janácek champion concludes his trail…
Britten’s disciple no longer plays,
even the vixen wears the black veil.

A star no longer shines in our days…
another book is finished and locked,
his legacy will remain amaze…
will remain impressive and evoked.

In Memoriam, Sir Charles Mackerras (14JUL10)



What a revelation this performance was to me,
here was a composer -Janácek- whose very name I hardly knew,
who had been dead 20 years, writing an opera
in an entirely different idiom from anything I had ever known,
who used the human voice and the inflections of his
strange-sounding language in an absolutely original way,
and whose instrumentation and harmony produced colors and sounds
unlike anything I had heard before.

Sir Charles Mackerras
Praga, 1947


Wednesday, July 7, 2010

Mahler auf der Couch... 150 años del Último Gran Sinfónico



El día de hoy -07JUL10- se conmemora el 150 aniversario del natalicio de un gran director de orquesta, gran compositor, pero sobre todo, gran perfeccionista: Gustav Mahler.

A diferencia de otros grandes compositores con un aservo extenso, Mahler tiene en su haber tan sólo 42 Lieder y sus memorables 10 Sinfonías. Pero estas últimas son tan impresionantes y no por su extensión (que lo son), sino por su excelsa precisión.

La Primera Sinfonía (1889) nació con la idea de ser un Poema Sinfónico intitulado Titan, pero después de un sinnúmero de revisiones a su propia obra, Mahler terminó creando una sinfonía. Cuando creó la estructura sinfónica, incluyó 5 movimientos, pero el segundo (marcado en un tiempo de Andante) llamado Blumine (floral) fue retirado de la obra… ¿la razón? estaba dedicado a una mujer de la cual estaba enamorado: Johanna Richter, pero como su amor no fue correspondido, Mahler retiró dicho movimiento de la obra.

Los grandes directores mahlerianos como Leonard Bernstein o Georg Solti jamás interpretaron dicho movimiento; sin embargo, tuvo que ser otro genio, el inglés Benjamin Britten, quien rescatara para la posteridad dicho movimiento en 1967, incluyendo Blumine como un “apéndice” de la obra. A partir de entonces, se interpreta antes o después de la obra.

La Segunda Sinfonía (1895), conocida como La Resurrección, es su primera obra “de larga duración” ya que dura 90 minutos. Al igual que la Octava, la Segunda Sinfonía gozó de una inmensa popularidad durante la vida del compositor.

De la misma manera que la Primera, la Segunda Sinfonía nació como poema sinfónico, intitulado Celebración de la Muerte, pero rápidamente evolucionó al formato de sinfonía. Mahler incluyó el órgano para su primer movimiento, pasando con facilidad de un sonido extrañamente suave (para ser un órgano) a música más explosiva y violenta, en forma de Marcha Fúnebre.

Los Movimientos 4 y 5 (Urlicht & Im Tempo des Scherzos, respectivamente) contienen poemas del folklore alemán, donde el 4 es cantado por una Alto (muy similar al 4 movimiento de la Sinfonía 9 de Beethoven) y el 5 es interpretado por un Coro para el Gran Finale. Este último movimiento es tan largo, que llega a durar hasta media hora.

Un dato curioso es que Mahler tomó el poema Die Auferstenhung de Klopstock y re-escribió los últimos versos.

La Tercera Sinfonía (1898) es la más larga de todas las obras compuestas por Mahler, llegando hasta los 100 minutos de duración.

La obra consta de 6 Movimientos, destacándose el 4 por ser La Canción de Medianoche, de la famosísima obra Así Hablaba Zaratustra de Friederich Nietzsche. No es de extrañar que su gran amigo, Richard Strauss escribiera su famosísimo poema sinfónico (con el mismo tema) al mismo tiempo (1896).

La Cuarta Sinfonía (1901) es la última de su primer ciclo de composición. Al igual que su Primera Sinfonía, incluye un poema folklórico alemán, que estaba destinado a la Tercera, pero Mahler decidió finalmente hacerle una sinfonía aparte (y todos se lo agradecemos).

En este año se da un cambio radical en su vida (ya contaba con 41 años) y conoció a Alma Schindler con (o contra) quien se casaría el año siguiente, dando inicio a su Trilogía mejor lograda (musicalmente hablando): la Quinta (1904), la Sexta (1906) y la Séptima Sinfonía (1908).

El 4 movimiento, Adagio, de la Sinfonía 5 no es solamente una de sus piezas más famosas, sino que es uno de los más famosos adagios escritos en todos los tiempos. Sin lugar a dudas, muestran la etapa de mayor felicidad del compositor.

Un dato chusco en la Sexta Sinfonia es que el autor siguió perfeccionando la partitura incluso hasta 5 minutos antes de la puesta en escena. Es una muestra de la inconformidad que Mahler tenía hasta con los menores detalles.

La Octava Sinfonía (1910) es su sinfonía más famosa. Llamada popularmente como La Sinfonía de los Mil (sin ser su título oficial) presenta extractos de la obra más famosa de Goethe: Fausto.

La Sinfonía 8 fue dedicada a su esposa Alma, en un período difícil para Mahler, sus dos hijas cayeron enfermas de manera simultánea (Fiebre Escarlata y Difteria), falleciendo una de ellas y además descubrió la infidelidad de su esposa, ante lo cual Mahler tuvo que solicitar el apoyo de Sigmund Freud para controlar su depresión (que dudo mucho que la haya superado, por su muy cercano fallecimiento). El día de hoy se estrena la película Mahler auf der Couch (Mahler e
n el Diván), recordando este momento tan intenso en la vida del compositor.



Llegando a un pacto del que no creo que Mahler se hubiese recuperado del todo con Alma, escribe su Novena Sinfonía (1912) llegando a lo que muchos consideramos el clímax de su composición.

Dejó una Décima Sinfonía inconclusa, que para 1926 fue terminada (15 años después del deceso de Mahler) donde se muestra claramente la composición del autor (en especial, en los primeros 2 movimientos) pero le falta ese trabajo de perfeccionamiento que es muy evidente en sus 9 sinfonías anteriores.

Por esta razón, muchos de los grandes directores de orquesta del siglo XX se reusaron a tocarla, al no considerarla como una obra seria de su repertorio… o por algo que Schoenberg llamó: La Maldición de las Nueve, haciendo referencia a la obra sinfónica de Beethoven, Schubert, Spohr, Bruckner y obviamente Mahler… se necesitó del gran compositor del siglo XX, Shostakovich, para romper la maldición impuesta por Beethoven, llegando a componer 15 sinfonías (un poco, bajo la presión de Stalin por demostrar la superioridad eslava frente a la gemana).

Esta publicación ya parece una obra mahleriana (como típicamente se dice)… pero lo importante es celebrar los 150 años de Mahler... para esto, que mejor que disfrutar de los maratones musicales que nos regaló, así como de la nueva obra cinematográfica.

Saludos.



Saturday, July 3, 2010

La Juventud en la Ciencia



La naturaleza es atractiva,
seduce a los jóvenes su encanto...
no cuando se muestra divertida,
sino al revelar su excelso manto.

La naturaleza es destellante,
su sabiduría se contagia...
no cuando se presenta brillante,
sino al abrevar su intrépida magia.

La naturaleza es asombrosa,
la Ciencia conduce a esa plenitud...
no cuando se enseña misteriosa,
sino al disfrutarla con juventud.

.

Monday, June 21, 2010

El Último Cínico



Cronista indispensable
de la cotidianidad,
retratas tan afable
la cruda realidad.

Diógenes Sotavento
agitas con ahínco
la lámpara contento
hasta tu último brinco.

Desde hoy laureles tendrás
ante ese honor único:
fuiste, eres y serás
el más grande cínico.

En el marco de una sociedad plural que mantiene
su impulso decidido por transformar a nuestra nación,
los mexicanos extrañaremos la visión
crítica, reflexiva e independiente de Carlos Monsiváis.
20JUN10, Felipe Calderón Hinojosa



Acepté esta suerte de autobiografía con el mezquino fin
de hacerme ver como una mezcla de Albert Camus y Ringo Starr.
1966, Carlos Monsivais.


Saludos.



Thursday, June 17, 2010

I Hear those Voices that will not be Drawn – Benjamin Britten



La Carta XXII del poema The Borough, escrita por George Crabbe hace justamente 200 años (1810) fue la fuente de inspiración para la primera obra maestra de Benjamin Britten: Peter Grimes.

La semana pasada -07JUN10-, se cumplieron 55 años de la primera puesta en escena de esta gran ópera, teniendo un par de adversidades: un entorno bélico, por ser presentada en Londres durante el cierre de la guerra, y con un tema sumamente delicado: la pedofilia.

Britten estaba fascinado con dicho poema, porque muestra lo terrible que es vivir en el infierno que representa un pequeño poblado y se sentía muy identificado con las letras de Crabbe (como muchas veces lo manifestó), ya que él mismo era oriundo de un pueblo pesquero inglés (Lowestoft).

A pesar de los dos inconvenientes antes descritos, la ópera fue un gran éxito y le sirvió a Britten como motivación para seguir componiendo otras óperas en inglés durante la segunda mitad del siglo XX. Pero más trascendente aún es el hecho de que dicha obra fue el renacimiento para la composición de la ópera en inglés por diversos autores.

Existen muchas personas que aseveran que Inglaterra tan sólo ha dado dos genios en la música: Henry Purcell en el barroco y Britten en nuestros días… lo cual no es tan cierto, pero definitivamente que sí son sus mejores exponentes.

Saludos.


Friday, June 11, 2010

200 Años de Robert Schumann




Si alguna persona alejada un poco de la música (y del arte en sí) desea conocer en qué consistió el período Romántico: sus características… sus creaciones... sin duda alguna que la primera opción a seleccionar debe ser alguna del extenso acervo de composición creado por Robert Schumann.

Hace 3 días -08JUN10-, se cumplieron 200 años de que la música haya tenido la fortuna (y nosotros también) de tener a este coloso, para entonces convertirse en la plataforma de composición e interpretación de todos sus contemporáneos, especialmente para el piano… así como también de los que ya no lo pudimos conocer en vida.

Es mucho lo que se puede decir acerca este gran genio, que no sabría ni por dónde comenzar. Su contacto con cualesquier músico se da desde la parte más temprana de la infancia. A todos los que alguna vez tuvimos la fortuna de tener un piano frente a nosotros claramente recordamos los estudios de Meyerbeer y, por supuesto, los de Schumann.

En particular, su música para niños, es la mejor formación que se le puede dar a un menor en esta bella disciplina.


A continuación comparto un link donde uno de los más grandes pianistas del siglo XX, el ucraniano Vladimir Horowitz, interpreta las famosas Escenas para Niños, Opus 15 (escrito a sus 28 años de edad).

http://www.youtube.com/watch?v=dxz2UfCYtQk&feature=related

En el trabajo operístico, Schumann dejó un sabor de boca incompleto, ya que su única Ópera fue Genoveva, así como un bello intento con las Escenas para Fausto de Goethe.

Otro de los grandes pianistas del siglo XX, el chileno Claudio Arrau, interpreta en el siguiente link su primer gran éxito, Carnaval, Opus 9 (escrita a sus 24 años).

http://www.youtube.com/watch?v=dC0JAWQsZwM


Al igual que Tchaikovsky, tan sólo hizo 1 Concierto para Piano, Opus 54; además (como este mismo autor y Beethoven), Schumann hizo tan sólo 1 Concierto para Violín, Wo023… sin embargo, su único Concierto para Cello, Opus 129, es una obra tan magistralmente hecha, que es lo mejor que hay en el repertorio para este instrumento (algo que ni Mozart, ni Beethoven se aventuraron a realizar y que Tchaikovsky sí intentara… aunque con muchos problemas).


A continuación se muestra al mejor cellista del siglo XX, el ruso Mstislav Rostropovich, interpretar dicho concierto:

http://www.youtube.com/watch?v=UwOisqjXUEo&feature=related

Sus 4 Sinfonías son excepcionales (aparte existe una quinta, pero quedó inconclusa). De manera particular, la Sinfonía 3, Opus 97, llamada Renana (a pesar de que el autor nunca le llamó así), es pieza fundamental del repertorio de todas las orquestas del globo.

Además, posee todo un “arsenal” de música de cámara y para piano… pero son justamente sus Lieder lo que definió la composición vocal desde mediados del siglo XIX hasta la fecha, alejándola un poco del virtuosismo en el Bel Canto para acercarla más hacia una estrecha e íntima relación con la Poesía. Su consecuencia es bien observada en la música popular de la segunda mitad del siglo XX.
















Entre los más famosos Lieder están su Amor de Poeta, Opus 37; Ciclo de Canciones, Opus 39; & Amor y Vida de Mujer, Opus 42; los tres escritos precisamente a sus 30 años de edad, al casarse con la gran pianista y compositora Clara Wieck (conocida por todos como Clara Schumann).


La Imperial ciudad de Düsseldorf conmemora dicho acontecimiento con el Festival de Schumann, el cual se está celebrando en estos momentos y dura toda la semana; al mismo, fueron convocados los mejores músicos del globo.

Saludos.



PD.- Schumann está observando el Teatro principal de su natal Zwickau.

Monday, June 7, 2010

La Mañana






La mañana es...
la mejor parte del día.
Mutilarla es...
morir en lenta agonía.




No me cabe concebir ninguna necesidad
tan importante durante la infancia de una persona
que la necesidad de sentirse protegido por un padre...
Sigmund Freud
.