Despedida

Juvenil belleza,
¡cuánto me atormentas!
hermosa vienesa,
mi vida revientas.

Laceraste el corazón,
queda un soplo de aliento…
¿porqué llevas mi sazón,
dejando lo que siento?

Parto pronto de este mundo,
dejando obras inconclusas…
van al abismo profundo
junto a tus vanas excusas.



Alma, la esposa de Mahler, amaba a su padre Rudolf Schindler;
solamente podría buscar y amar de esa manera a un hombre.
La edad de Mahler, que él tanto temía,
fue precisamente lo que lo hizo atractivo para su esposa.
Mahler amaba a su madre, por lo que veía su estilo en cada mujer.
Su madre vivió emproblemada y llena de sufrimiento,
inconcientemente él buscaba esto en su esposa Alma.

Sigmund Freud
Viena, Agosto 1910

A Star no longer Shines

A star no longer shines in the night,
today, the music is getting dark…
Mackerras’ baton no longer fights:
a muted voice from the australian lark.

Bohemians have a new mourning day,
Janácek champion concludes his trail…
Britten’s disciple no longer plays,
even the vixen wears the black veil.

A star no longer shines in our days…
another book is finished and locked,
his legacy will remain amaze…
will remain impressive and evoked.

In Memoriam, Sir Charles Mackerras (14JUL10)

What a revelation this performance was to me,
here was a composer -Janácek- whose very name I hardly knew,
who had been dead 20 years, writing an opera
in an entirely different idiom from anything I had ever known,
who used the human voice and the inflections of his
strange-sounding language in an absolutely original way,
and whose instrumentation and harmony produced colors and sounds
unlike anything I had heard before.

Sir Charles Mackerras
Praga, 1947

Mahler auf der Couch... 150 años del Último Gran Sinfónico

El día de hoy -07JUL10- se conmemora el 150 aniversario del natalicio de un gran director de orquesta, gran compositor, pero sobre todo, gran perfeccionista: Gustav Mahler.

A diferencia de otros grandes compositores con un aservo extenso, Mahler tiene en su haber tan sólo 42 Lieder y sus memorables 10 Sinfonías. Pero estas últimas son tan impresionantes y no por su extensión (que lo son), sino por su excelsa precisión.

La Primera Sinfonía (1889) nació con la idea de ser un Poema Sinfónico intitulado Titan, pero después de un sinnúmero de revisiones a su propia obra, Mahler terminó creando una sinfonía. Cuando creó la estructura sinfónica, incluyó 5 movimientos, pero el segundo (marcado en un tiempo de Andante) llamado Blumine (floral) fue retirado de la obra… ¿la razón? estaba dedicado a una mujer de la cual estaba enamorado: Johanna Richter, pero como su amor no fue correspondido, Mahler retiró dicho movimiento de la obra.

Los grandes directores mahlerianos como Leonard Bernstein o Georg Solti jamás interpretaron dicho movimiento; sin embargo, tuvo que ser otro genio, el inglés Benjamin Britten, quien rescatara para la posteridad dicho movimiento en 1967, incluyendo Blumine como un “apéndice” de la obra. A partir de entonces, se interpreta antes o después de la obra.

La Segunda Sinfonía (1895), conocida como La Resurrección, es su primera obra “de larga duración” ya que dura 90 minutos. Al igual que la Octava, la Segunda Sinfonía gozó de una inmensa popularidad durante la vida del compositor.

De la misma manera que la Primera, la Segunda Sinfonía nació como poema sinfónico, intitulado Celebración de la Muerte, pero rápidamente evolucionó al formato de sinfonía. Mahler incluyó el órgano para su primer movimiento, pasando con facilidad de un sonido extrañamente suave (para ser un órgano) a música más explosiva y violenta, en forma de Marcha Fúnebre.

Los Movimientos 4 y 5 (Urlicht & Im Tempo des Scherzos, respectivamente) contienen poemas del folklore alemán, donde el 4 es cantado por una Alto (muy similar al 4 movimiento de la Sinfonía 9 de Beethoven) y el 5 es interpretado por un Coro para el Gran Finale. Este último movimiento es tan largo, que llega a durar hasta media hora.

Un dato curioso es que Mahler tomó el poema Die Auferstenhung de Klopstock y re-escribió los últimos versos.

La Tercera Sinfonía (1898) es la más larga de todas las obras compuestas por Mahler, llegando hasta los 100 minutos de duración.

La obra consta de 6 Movimientos, destacándose el 4 por ser La Canción de Medianoche, de la famosísima obra Así Hablaba Zaratustra de Friederich Nietzsche. No es de extrañar que su gran amigo, Richard Strauss escribiera su famosísimo poema sinfónico (con el mismo tema) al mismo tiempo (1896).

La Cuarta Sinfonía (1901) es la última de su primer ciclo de composición. Al igual que su Primera Sinfonía, incluye un poema folklórico alemán, que estaba destinado a la Tercera, pero Mahler decidió finalmente hacerle una sinfonía aparte (y todos se lo agradecemos).

En este año se da un cambio radical en su vida (ya contaba con 41 años) y conoció a Alma Schindler con (o contra) quien se casaría el año siguiente, dando inicio a su Trilogía mejor lograda (musicalmente hablando): la Quinta (1904), la Sexta (1906) y la Séptima Sinfonía (1908).

El 4 movimiento, Adagio, de la Sinfonía 5 no es solamente una de sus piezas más famosas, sino que es uno de los más famosos adagios escritos en todos los tiempos. Sin lugar a dudas, muestran la etapa de mayor felicidad del compositor.

Un dato chusco en la Sexta Sinfonia es que el autor siguió perfeccionando la partitura incluso hasta 5 minutos antes de la puesta en escena. Es una muestra de la inconformidad que Mahler tenía hasta con los menores detalles.

La Octava Sinfonía (1910) es su sinfonía más famosa. Llamada popularmente como La Sinfonía de los Mil (sin ser su título oficial) presenta extractos de la obra más famosa de Goethe: Fausto.

La Sinfonía 8 fue dedicada a su esposa Alma, en un período difícil para Mahler, sus dos hijas cayeron enfermas de manera simultánea (Fiebre Escarlata y Difteria), falleciendo una de ellas y además descubrió la infidelidad de su esposa, ante lo cual Mahler tuvo que solicitar el apoyo de Sigmund Freud para controlar su depresión (que dudo mucho que la haya superado, por su muy cercano fallecimiento). El día de hoy se estrena la película Mahler auf der Couch (Mahler en el Diván), recordando este momento tan intenso en la vida del compositor.



Llegando a un pacto del que no creo que Mahler se hubiese recuperado del todo con Alma, escribe su Novena Sinfonía (1912) llegando a lo que muchos consideramos el clímax de su composición.

Dejó una Décima Sinfonía inconclusa, que para 1926 fue terminada (15 años después del deceso de Mahler) donde se muestra claramente la composición del autor (en especial, en los primeros 2 movimientos) pero le falta ese trabajo de perfeccionamiento que es muy evidente en sus 9 sinfonías anteriores.

Por esta razón, muchos de los grandes directores de orquesta del siglo XX se reusaron a tocarla, al no considerarla como una obra seria de su repertorio… o por algo que Schoenberg llamó: La Maldición de las Nueve, haciendo referencia a la obra sinfónica de Beethoven, Schubert, Spohr, Bruckner y obviamente Mahler… se necesitó del gran compositor del siglo XX, Shostakovich, para romper la maldición impuesta por Beethoven, llegando a componer 15 sinfonías (un poco, bajo la presión de Stalin por demostrar la superioridad eslava frente a la gemana).

Esta publicación ya parece una obra mahleriana (como típicamente se dice)… pero lo importante es celebrar los 150 años de Mahler... para esto, que mejor que disfrutar de los maratones musicales que nos regaló, así como de la nueva obra cinematográfica.

Saludos.

La Juventud en la Ciencia

La naturaleza es atractiva,
seduce a los jóvenes su encanto...
no cuando se muestra divertida,
sino al revelar su excelso manto.

La naturaleza es destellante,
su sabiduría se contagia...
no cuando se presenta brillante,
sino al abrevar su intrépida magia.

La naturaleza es asombrosa,
la Ciencia conduce a esa plenitud...
no cuando se enseña misteriosa,
sino al disfrutarla con juventud.

.

El Último Cínico

Cronista indispensable
de la cotidianidad,
retratas tan afable
la cruda realidad.

Diógenes Sotavento
agitas con ahínco
la lámpara contento
hasta tu último brinco.

Desde hoy laureles tendrás
ante ese honor único:
fuiste, eres y serás
el más grande cínico.

En el marco de una sociedad plural que mantiene
su impulso decidido por transformar a nuestra nación,
los mexicanos extrañaremos la visión
crítica, reflexiva e independiente de Carlos Monsiváis.

20JUN10, Felipe Calderón Hinojosa

Acepté esta suerte de autobiografía con el mezquino fin
de hacerme ver como una mezcla de Albert Camus y Ringo Starr.

1966, Carlos Monsivais.

Saludos.

I Hear those Voices that will not be Drawn – Benjamin Britten

La Carta XXII del poema The Borough, escrita por George Crabbe hace justamente 200 años (1810) fue la fuente de inspiración para la primera obra maestra de Benjamin Britten: Peter Grimes.

La semana pasada -07JUN10-, se cumplieron 55 años de la primera puesta en escena de esta gran ópera, teniendo un par de adversidades: un entorno bélico, por ser presentada en Londres durante el cierre de la guerra, y con un tema sumamente delicado: la pedofilia.

Britten estaba fascinado con dicho poema, porque muestra lo terrible que es vivir en el infierno que representa un pequeño poblado y se sentía muy identificado con las letras de Crabbe (como muchas veces lo manifestó), ya que él mismo era oriundo de un pueblo pesquero inglés (Lowestoft).

A pesar de los dos inconvenientes antes descritos, la ópera fue un gran éxito y le sirvió a Britten como motivación para seguir componiendo otras óperas en inglés durante la segunda mitad del siglo XX. Pero más trascendente aún es el hecho de que dicha obra fue el renacimiento para la composición de la ópera en inglés por diversos autores.

Existen muchas personas que aseveran que Inglaterra tan sólo ha dado dos genios en la música: Henry Purcell en el barroco y Britten en nuestros días… lo cual no es tan cierto, pero definitivamente que sí son sus mejores exponentes.

Saludos.

200 Años de Robert Schumann

Si alguna persona alejada un poco de la música (y del arte en sí) desea conocer en qué consistió el período Romántico: sus características… sus creaciones... sin duda alguna que la primera opción a seleccionar debe ser alguna del extenso acervo de composición creado por Robert Schumann.

Hace 3 días -08JUN10-, se cumplieron 200 años de que la música haya tenido la fortuna (y nosotros también) de tener a este coloso, para entonces convertirse en la plataforma de composición e interpretación de todos sus contemporáneos, especialmente para el piano… así como también de los que ya no lo pudimos conocer en vida.

Es mucho lo que se puede decir acerca este gran genio, que no sabría ni por dónde comenzar. Su contacto con cualesquier músico se da desde la parte más temprana de la infancia. A todos los que alguna vez tuvimos la fortuna de tener un piano frente a nosotros claramente recordamos los estudios de Meyerbeer y, por supuesto, los de Schumann.

En particular, su música para niños, es la mejor formación que se le puede dar a un menor en esta bella disciplina.

A continuación comparto un link donde uno de los más grandes pianistas del siglo XX, el ucraniano Vladimir Horowitz, interpreta las famosas Escenas para Niños, Opus 15 (escrito a sus 28 años de edad).

http://www.youtube.com/watch?v=dxz2UfCYtQk&feature=related

En el trabajo operístico, Schumann dejó un sabor de boca incompleto, ya que su única Ópera fue Genoveva, así como un bello intento con las Escenas para Fausto de Goethe.

Otro de los grandes pianistas del siglo XX, el chileno Claudio Arrau, interpreta en el siguiente link su primer gran éxito, Carnaval, Opus 9 (escrita a sus 24 años).

http://www.youtube.com/watch?v=dC0JAWQsZwM

Al igual que Tchaikovsky, tan sólo hizo 1 Concierto para Piano, Opus 54; además (como este mismo autor y Beethoven), Schumann hizo tan sólo 1 Concierto para Violín, Wo023… sin embargo, su único Concierto para Cello, Opus 129, es una obra tan magistralmente hecha, que es lo mejor que hay en el repertorio para este instrumento (algo que ni Mozart, ni Beethoven se aventuraron a realizar y que Tchaikovsky sí intentara… aunque con muchos problemas).

A continuación se muestra al mejor cellista del siglo XX, el ruso Mstislav Rostropovich, interpretar dicho concierto:

http://www.youtube.com/watch?v=UwOisqjXUEo&feature=related

Sus 4 Sinfonías son excepcionales (aparte existe una quinta, pero quedó inconclusa). De manera particular, la Sinfonía 3, Opus 97, llamada Renana (a pesar de que el autor nunca le llamó así), es pieza fundamental del repertorio de todas las orquestas del globo.

Además, posee todo un “arsenal” de música de cámara y para piano… pero son justamente sus Lieder lo que definió la composición vocal desde mediados del siglo XIX hasta la fecha, alejándola un poco del virtuosismo en el Bel Canto para acercarla más hacia una estrecha e íntima relación con la Poesía. Su consecuencia es bien observada en la música popular de la segunda mitad del siglo XX.
















Entre los más famosos Lieder están su Amor de Poeta, Opus 37; Ciclo de Canciones, Opus 39; & Amor y Vida de Mujer, Opus 42; los tres escritos precisamente a sus 30 años de edad, al casarse con la gran pianista y compositora Clara Wieck (conocida por todos como Clara Schumann).

La Imperial ciudad de Düsseldorf conmemora dicho acontecimiento con el Festival de Schumann, el cual se está celebrando en estos momentos y dura toda la semana; al mismo, fueron convocados los mejores músicos del globo.

Saludos.

PD.- Schumann está observando el Teatro principal de su natal Zwickau.

La Mañana

La mañana es...
la mejor parte del día.
Mutilarla es...
morir en lenta agonía.

No me cabe concebir ninguna necesidad

tan importante durante la infancia de una persona
que la necesidad de sentirse protegido por un padre...
Sigmund Freud.

Acto II de la Ópera Metal The Wicked Trilogy: The Wicked Symphony. Avantasia.

De manera simultánea, Tobias Sammet presenta los Actos Segundo y Tercero de su magistral obra The Wicked Trilogy, conocida popularmente como The Scarecrow Saga, por ser el nombre del primer acto, publicado hace 2 años.

La obra fue presentada en Europa el 03ABR10, llegado al Top 10 de casi todos los países europeos, teniendo su pico en Alemania (obviamente), alcanzando el #2. En América, se presentó apenas el pasado 04MAY10, un mes después del éxito demostrado por el Viejo Continente.

Los músicos base son Sascha Paeth y Michael Rodenberg (Miro) en la guitarra y teclados respectivamente, siendo además los productores de la obra (como de muchas otras producciones).

Como ya es costumbre, son muchas las estrellas invitadas, que irán entrando y saliendo de escena en cada pieza mostrada.

La primera pieza de la obra es la que le da título al Segundo Acto, The Wicked Symphony, donde Sammet comparte la voz con el ya tradicional dueto formado por el noruego Jörn Lande y el estadounidense Russell Allen (Symphony X), donde el mismo Sammet describe el trío como “10 minute track featuring a vocal battle between Lande, Allen & me”.

Por otro lado, las percusiones son responsabilidad de Felix Bohnke, baterista alemán de Edguy… y lo será para otras 3 piezas más.

La pieza da inicio con una orquestación expresionista, muy al estilo de Miro que a manera de crecendo alcanza la intensidad suficiente como para ceder la melodía a guitarra y percusiones, de manera que le “roban” el liderazgo a la pieza… a continuación se establece una constante batalla por el liderazgo de la voz, que en encore se unen nada más para el coro, donde los 3 vocalistas mantienen la lucha por vencer a sus contrincantes. Definitivamente se trata de una de las mejores piezas de toda la Ópera Metal, este acto comienza con el pie derecho.

Para la segunda pieza, Wastelands, Sammet ahora hace dueto con el alemán Michael Kiske, vocalista de Helloween. A diferencia de la pieza anterior, Kiske hace la primera estrofa y consecuentemente el coro; posteriormente, Sammet canta la segunda estrofa, para finalmente ceder el espacio a Kiske nuevamente para cerrar.

Además, se invitó a participar a también alemán Oliver Hartmann en la guitarra, de la ya disuelta banda At Vance (posteriormente tendría magistrales aportaciones en Edguy, Rhapsody, Aina, Helloween y obviamente en Avantasia).

En particular, la influencia de Hartmann es muy fuerte a todo lo largo de la pieza, desde los primeros compases… por otro lado, la voz de Kiske se muestra limpia e intacta, contrastando fuertemente con la de Sammet, tal vez porque no se le exigen al máximo sus clásicos y potentes sobreagudos.

Ahora la batería tiene el honor de tener frente a sí a Peter Criss, baterista legendario y en activo de Kiss (The Catman); se le volverá a escuchar en dos piezas más.

La tercera pieza, Scales of Justice, resalta notoriamente del resto de la obra dada la enorme presencia de Tim “Ripper” Owens (ex-vocalista de Judas Priest e Yngwie Malmsteen). Además, un tercer baterista se une: Alex Holzwarth, baterista alemán de la mejor agrupación italiana: Raphsody of Fire; Holzwarth aparecerá en 3 piezas más.

Desde la primera nota se observa que la pieza está escrita especialmente para el estilo de voz que Owens posee, además cuenta con el estilo de interpretación caracterísitico de Judas Priest para la guitarra.

La cuarta pieza, Dying for an Angel, muestra claramente la intención de Sammet: atraer al público novel, ya que desde el 18MAR10 presentó un video-clip referente a la pieza, 2 semanas antes de presentar la obra finalizada.

En la misma se utiliza nuevamente a Peter Criss y la voz es ahora compartida por Klaus Meine, vocalista en activo de Scorpions.

Es importante destacar que tanto Meine como Criss presentaron nuevo material con sus respectivos grupos (Scorpions & Kiss) durante los meses anteriores… ¡Aún se dan tiempo para colaborar en proyectos tan estructurados como Avantasia!

La pieza es sencilla y bella, fácilmente se convertirá en un clásico.

Para la quinta pieza, Blizzard on a Broken Mirror, regresa a la batería Bohnke y la voz tiene como invitado de lujo al brasileño Andre Matos, de la legendaria banda carioca ochentera Viper. Matos interpreta además los teclados que abren la pieza, una aportación única en este segundo acto… en un tiempo de 4/4 y después de cuatro de compases, Sammet sigue la misma propuesta de Matos, pero en la guitarra, muy al estilo Blackmore-Lord-Gillan… para despegarse nuevamente a los siguientes 4 compases y dominar la música en 4 más. El resto de la pieza sigue esta alternancia en el dominio de la melodía.

La sexta pieza, Runaway Train, comienza con un bello solo de piano ejecutado por Simon Oberender, siendo el entorno adecuado para la excelsa voz de Michael Kiske y la guitarra de Bruce Kulick (Billy Squire, Kiss de los 80’s & 90’s y recientemente, la guitarra principal de Grand Funk Railroad)… a diferencia de la primera pieza, donde Sammet compite con Lande/Allen, ahora trata de suavizar su voz para competir con Kiske, con Lande y un cuarto vocalista que se une para formar el único Cuarteto de la obra: el británico Bob Catley (de la legendaria banda inglesa ochentera Magnum).

Definitivamente que la guitarra de Kulick es lo más sobresaliente de esta pieza, demuestra porqué lanzó a la fama a Squire y contribuyó para los mejores años de Kiss (desde el punto de vista artístico, no comercial… de hecho, es el único integrante importante de Kiss que nunca utilizó una identidad).

Lande repite para la séptima pieza, Crestfallen, donde hace un dueto extraordinario con Sammet. Ahora, es turno de Holzwarth en las percusiones.

Sammet enfocó la composición al estilo del noruego Lande, siendo una tendencia de composición muy popular en los últimos años: vikingo-gótica; comienza con un tímido arranque, pero poco a poco va cayendo en dicho estilo.

Lande vuelve a repetir el dueto con Sammet para la octava pieza, Forever is a Long Time. La propuesta de Hartmann (nuevamente en la guitarra) le da un aire a Whitesnake; además, el hecho de que Lande posea la misma tesitura que David Coverdale, así como la composición intencionada, donde es evidente que Sammet haya escrito la letra tomando la misma pluma que usara el gran cantante inglés, la convierte en una pieza típica para ese grupo… suficiente para levantar de la silla a cualquier fanático púrpura-profundo (como yo).

Holzwarth también repite turno, mientras que Oberender hace una muy tibia aparición.

Para la novena pieza, Black Wings, Sammet es apoyado en la voz por Ralf Zdiarstek, viejo invitado de Sammet en Edguy y obras anteriores de Avantasia. De la misma manera, Bohnke regresa a la batería. Luego entonces, la pieza suena mucho a Edguy… pero un tanto cuanto oscura.

Para la décima pieza, States of Matter, Allen regresa a la voz (presente en la primera pieza de este acto) y Holzwarth en la batería.

Es una pieza de metal clásico que contagia con su energía: "it’s another state of matter… it’s the union of the states of matter".

Para finalizar, la undécima y última pieza, The Edge, está justamente "colgada al borde" del segundo acto con el cual cierra, siendo la única balada-rítmica.

Es la única pieza donde Sammet participa en la voz de manera solitaria, pero la guitarra es compartida (más bien cedida) a Kulick. En los teclados participa ya más activamente Orebeder y las percusiones son responsabilidad de Bohnke.

La pieza es sumamente hermosa, de las más bellamente escritas por Sammet, en general. Al igual que Forever is a Long Time, suena mucho a Whitesnake, tanto en lo musical como en la poesía… hasta toma la frase poética ‘til the river’s run dry de Waiting on You (1992), como homenaje a la impresionante obra hecha por Jimmy Page y David Coverdale… antes que una queja, más bien es un aplauso ante el propuesta realizada.

La obra compuesta por Sammet es, sin lugar a dudas, lo mejor que se ha hecho durante el año en curso.

Saludos.

Rainbow Eyes for the Last in Line…

Rainbow in the Dark, your work is done:
our regards are never enough…
not sufficient to express what’s gone,
neither to Kill the Dragon’s stuff.

Inside there’s an epical burn…
ephemeral flame of treasure,
jumping with your Devil’s Horn…
anxious for the new Excalibur.

Music and poetry will last…
exultant singer… the best of all
sole sample of a great cast…
dealer of the Wishing Well call.

I’ll proudly Stand Up and Shout with
our Rainbow Eyes for the Last in Line.

Today my heart is broken, Ronnie passed away at 7:45am 16th May. Many, many friends and family were able to say their private good-byes before he peacefully passed away. Ronnie knew how much he was loved by all. We so appreciate the love and support that you have all given us. Please give us a few days of privacy to deal with this terrible loss. Please know he loved you all and his music will live on forever.

Wendy Dio, 16MAY10.

They say that life is a carrousel
Spinning faster, you have to ride it well,
The World is full of Kings and Queens
Who blind your eyes and steal your dreams.
That’s Heaven and Hell.

They turn to black what’s really white
the moon is just the sun at night
And when you walk in golden halls
You learn to keep the gold that falls…
That’s Heaven and Hell

Ronnie James Dio, 1980